mfc-michÚle didier | Éditeur - Galerie, Actualités

L'exposition « la République (cynique) » propose un contre récit de la performance et offre aux visiteurs de vivre une exposition construite comme une partition qui se renouvelle chaque jour pendant 3 semaines, à partir de ressources dématérialisées.

Les trois IKÉA©SERVICES Soustraire, Répliques et Au nom de l'art seront activés durant cette exposition.

Curateur, essayiste : Pierre Bal-Blanc

Coordinatrice : Coline Davenne

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Ce jeudi 24 octobre 2024 de 19h à 21h, rencontre avec Jean-Baptiste Farkas à la Librairie du Palais de Tokyo, à l'occasion de la sortie de MANUEL. Des modes d'emploi et des passages à l'acte, qui vient de paraître aux éditions Riot.

Trois services seront activés en cette occasion.

MANUEL poursuit le travail engagé en 2004 avec le livre IKHÉA©SERVICES. 68 pages de passages à l'acte (Zédélé, Brest). Il est le fruit d'innombrables collaborations. 

Réunissant des modes d'emploi créés par Jean-Baptiste Farkas et nombre d'autres personnes jusqu'en 2024, MANUEL se présente comme une mise à niveau du projet dans son entier qui révise (« permis de démolir ») et enrichit (« retours d'expériences ») ses versions antérieures. La présente édition est la version la plus complète de MANUEL, publiée à ce jour.

Adresse du jour : Palais de Tokyo, 136 avenue du Président Wilson, 75016 Paris                                                                                                                     

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Cycle de visites dans le cadre d'un partenariat La BF15 et Nomade Land : Samedi 5 octobre,14h30-16h30, visite de l'oeuvre Suite 8 pour Saint-Clair.

Cette visite de Suite 8 pour Saint-Clair rend hommage à Peter Downsbrough, décédé le vendredi 9 août 2024.

Il était l'un des artistes les plus remarquables de sa génération. Pendant plus de soixante ans, il a développé une oeuvre subtile qui explore la relation entre le temps et l'espace, entre le langage et l'image. Sa pratique unique et variée s'est déployée à travers différents gestes et médiums : la photographie, le film, la publication, la maquette et l'installation.

Commissaire du projet / Perrine Lacroix, artiste, directrice de la BF15

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Vendredi 4 octobre de 19h30 à 20h30 au Centre Tignous d'Art Contemporain de Montreuil* : lecture d'extraits du livre éponyme à paraître chez Michèle Didier en 2025, accompagnée d'une présentation visuelle.

*Dans le cadre de l'exposition collective En Circuits Courts, curatée par Isabelle de Maison Rouge, du 5 septembre au 26 octobre 2024.

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La Part de l'intime, exposition collective à la Galerie Municipale d'Art Contemporain d'Auvers-sur-Oise, avec Laetitia Bourget, Attia Bousbaa, Patricia d'Isola, Hubert Renard, Krissima Poba et Alain Snyers. Du 29 septembre au 1er décembre 2024, vernissage le 28 septembre à partir de 18h.

Conception de l'événement : Patricia d'Isola

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Interface, à Dijon, propose, Borderline, une exposition collective exceptionnelle réunissant 28 artistes et 33 œuvres. Comme un avant-goût aux trente ans de ce lieu dédié à l'art contemporain, qui seront célébrés en 2025.

Venez décrouvrir les oeuvres de Claude Closky, Peter Downsbrough, Mathieu Mercier, Claude Rutault et Elsa Werth qui y sont exposées.

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Explorez le monde intrigant de l'art contemporain en visitant l'exposition Time Is On My Side au Kunsthalle 8000.

Avec une sélection unique d'oeuvres d'Alex Hanimann, aux côtés d'artistes tels que Tracey Emin, Roman Gysin, Nic Hess, Annamarie Ho, Mickry 3, Bas Princen, Ilona Ruegg et Jules Spinatsch. Cette exposition se plonge dans les thèmes du temps, de la mémoire et de la nature éphémère de nos expériences.

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Alex Hanimann Untitled (Christoph), 2022. Courtesy Telos Foundation & The Artist, 2024 ©

Dans le cadre de la 15e Biennale de Gwangju « Pansori, A Soundscape of the 21st century », Saâdane Afif présente un nouveau projet in-situ The Pavilion of Eternity. Après avoir arpenté les rues du quartier de Yangnim, Afif investit un poste de police abandonné qui résonne avec sa quête d'un espace transitionnel. Il nomme le lieu The Pavilion of Eternity, rappelant les vers d'ouverture et de clôture du poème L'Éternité d'Arthur Rimbaud :

Elle est retrouvée.
Quoi ? – L'Éternité.
C'est la mer allée
Avec le soleil.

Saâdane Afif investit le commissariat décrépi d'un geste radical en utilisant le bâtiment comme un portail vers une oeuvre qui prendra forme à travers la voix de la chanteuse Pansori Sora Kim lors d'une série de concerts.

Pavilion of Eternity :

The Pavilion of the Eternity, 2024, Mixed media, performance program, Dimension variable, en collaboration avec le chanteur et compositeur Pansori Sora Kim et le percussionniste Eunkyung Gyun, sponsorisé par l'Institut Français et le Goethe-Institut Korea.

Adresse : 56, Jejung-ro, Gwangju, République de Corée

Série de concerts de Sora Kim (voix et composition) et Eunkyun Gyun (tambour Pansori) : les 5, 7 et 20 septembre, 4 et 18 octobre, 8 et 29 novembre.

Adresse : Coton Cloud - 6, Sajik-gil, Nam-gu, Gwangju, République de Corée
Ouverture des portes à 18:50, début du concert à 19h00

Directeur artistique : Nicolas Bourriaud

Commissaires : Barbara Lagié, Kuralay Abdukhalikova, Sophia Park, Jade Barget, Euna Lee

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© Photo: Biennale de Gwangju 2024

Le 10 juillet 2024 à Paris, Michèle Didier a rencontré Michaela Spiegel pour une discussion autour de sa prochaine exposition à la galerie, Instant Memoir.

Nous y partageons des extraits de textes de Rubén Gallo, préfacier de Instant Memoir (Éditions Kehrer, 2023).

Découvrez cet interview sur notre Instagram.

L'exposition aura lieu à la galerie du 12 septembre au 16 novembre, sur RDV uniquement, au 94 boulevard Richard Lenoir, 75011 Paris

Un grand merci à Amélie Korzi pour la caméra et à Roxane Rabieaux pour le montage.

Voici la première partie de l'interview d'Hubert Renard avant l'exposition qui lui sera dédiée à la galerie courant 2025.

En 2021, Hubert Renard a eu l'honneur de publier le Catalogue Raisonné de l'oeuvre d'Hubert Renard avec michèle didier. Ce fut une expérience longue, exigeante et gratifiante. Plonger dans les archives d'Hubert Renard lui a fait réaliser à quel point elles étaient parfois incomplètes et contradictoires et l'a poussé à questionner la fiabilité et la crédibilité des archives en général.

Suite à ce travail, Hubert Renard a entrepris un nouveau projet axé sur la recherche d'erreurs, d'omissions, d'absences, de défections, de manques dans des archives de renom, allant de celles de producteurs d'archives à celles de la Bibliothèque Kandinsky du Centre Pompidou.

Ce projet lui a permis de faire un va-et-vient entre fiction et réalité et vice versa. Par exemple, identifier sur une photo une personne inconnue pouvant être possiblement Hubert Renard.

La suite en janvier 2025 !

Découvrez le travail d'Hubert Renard par le biais de son interview à Paris, sur notre Instagram.

C'est avec une grande émotion que nous vous faisons part du décès de notre ami et éternel artiste Peter Downsbrough.

ARTFORUM lui rend un hommage sincère, cliquez ICI

Photo: Raphael Gaillarde/Gamma-Rapho/Getty Images.

«  Je n'ai rien à dire et c'est de la politique ». Gustav Metzger

Réfugié, survivant, apatride, charpentier, jardinier, anarchiste, antiquaire, militant écologiste, intellectuel et artiste. Gustav Metzger est né à Nuremberg en 1926. L'un de ses premiers souvenirs est celui de sa mère lui donnant le bain. À l'âge de quatre ans, il assiste aux défilés nazis. À l'âge de douze ans, en janvier 1939, il arrive en Angleterre à bord de l'un des derniers Kindertransports juifs. Ses parents et la plupart des membres de sa famille ont été assassinés par les nazis.

Commissariat : Susanne Pfeffer et Julia Eichler

TOWER - Museum für Moderne Kunst - TaunusTurm, Taunustor 1 - 60310 Frankfurt am Main

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Gustav Metzger, Public Adverts, Cheap Flights, 2005–2009 (détail), Collection Privée

Entre le 20 juillet et le 30 décembre 2024, se tiendra à Vila Nova de Cerveira (Portugal), la XXIIIe Biennale Internationale d'Art de Cerveira. Cet événement, dédié à la production artistique contemporaine, présentera des oeuvres de 119 artistes issus 20 pays, sous le thème «Êtes-vous libre ?».

A l'occasion de ses 46 ans, la biennale d'art la plus ancienne de la péninsule ibérique, invitera des artistes, des penseurs et le public à réfléchir sur le thème de la Liberté.

Nous sommes ravis d'annoncer la participation d'Antoni Muntadas parmi les artistes invités à cet événement prestigieux.

Organisée par Helena Mendes et Mafalda Santos, cette biennale réinvente le modèle inaugural de 1978 avec de nouvelles orientations passionnantes.

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Du 20 juillet au 20 octobre 2024, le Centre d'art contemporain de l'UCCA présente Lawrence Weiner : A PURSUIT OF HAPPINESS ASAP, la première grande exposition en Chine du célèbre artiste américain Lawrence Weiner (1942-2021). Commissionnée par Peter Eleey, conservateur général de l'UCCA, en étroite collaboration avec la succession de l'artiste, A PURSUIT OF HAPPINESS ASAP ramène l'oeuvre révolutionnaire de Weiner à l'UCCA dix-sept ans après que le musée ait commandé TO ALLOW THE LIGHT pour sa série d'expositions inaugurale de 2007.

 Cette exposition présente près de cinquante oeuvres qui couvrent l'ensemble de la carrière de l'artiste, parmi les quelques 1200 qu'il a créées en plus d'un demi-siècle. Une sélection de dessins, d'affiches et d'images animées offre un contexte supplémentaire aux spectateurs, que Weiner appelait les « récepteurs » de son travail. Chaque pièce s'exprime dans les espaces spécifiques du Great Hall de l'UCCA, permettant une réflexion subjective en fonction des circonstances, des relations, du cadre et de la présentation.

Commissaire d'exposition : Peter Eleey

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À partir du 15 juillet 2024, le film issu de l'exposition TRACCE / TRACES de l'artiste américain Lawrence Weiner est disponible en ligne. L'exposition a eu lieu durant l'été 2020, grâce à une série de bannières aériennes le long de la côte, de Ladispoli à Anzio.

Produite par MACRO, TRACCE / TRACES a été la première exposition personnelle d'un artiste jamais présentée dans le ciel qui a montré une œuvre différente chaque jour, du 16 au 25 août 2020, le long de la côte la plus fréquentée par les Romains, offrant à chaque spectateur la possibilité - inattendue, pour la plupart - d'entrer en contact avec des œuvres d'art en dehors du contexte dans lequel elles sont habituellement exposées et observées.

Directeur : Pietro Daviddi
Voix : Lawrence Weiner
Responsable de production : Carolina De Nicolo'
Création sonore : Vittorio Giampietro
Producteur : Tommaso Bertani
Société de production : Ring Film
Pays de production : Italie
Langue : Italien
Sous-titres : Carlotta Pierleoni, Izabela Anna Moren, Chiara Siravo
Durée : 27'

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GNOMONS 髀, une exposition de nouvelles oeuvres de Jay Chung et Q Takeki Maeda au Kunsthaus Glarus, revisite une approche artistique utilisée dans les années 1980 et 1990, notamment par des artistes tels que Janine Antoni, Felix Gonzalez-Torres et Roni Horn. Défiant les clichés de l'originalité artistique, ces artistes ont intentionnellement adopté le langage formel des artistes plus établis et reconnus par les institutions, associés au minimalisme. En imitant les "genres esthétiques classiques", ils ont cherché à "infiltrer les structures exclusives d'une sphère artistique majoritaire qui était effectivement fondée sur leur exclusion".

Une brochure contenant un entretien avec Jay Chung & Q Takeki Maeda réalisé par John Beeson accompagnera l'exposition.

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A Pile of Stone, 2024. Courtesy les artistes.

The Ruin of Exchange présente une sélection d'œuvres d'art de John Miller datant de 1994 à aujourd'hui. Miller utilise une grande variété de matériaux et de supports, ce qui fait qu'il est difficile de le rattacher à un style artistique particulier. Pourtant, son travail est très influent, même si sa mutabilité et la limitation des gestes personnels sont peut-être les meilleurs moyens d'exprimer une certaine qualité reconnaissable. Parce que Miller remet en question les aspirations de l'art à transcender son sujet, cette manière persistante d'impersonnalité est devenue le trait caractéristique de sa pratique. Son travail ne se conforme ni à l'ironie moqueuse du postmodernisme, ni à l'authenticité démesurée de la modernité. Comment mieux dépeindre le réel sans passion qu'en minimisant ces sentiments ?

Une brochure présentant une interview de John Miller par Melanie Ohnemus accompagnera l'exposition.

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John Miller, Domestic Bric-à-Brac, 2023. Courtesy Trautwein Herleth, Berlin et l'artiste.

50 ans, c'est un bel âge… Mais pas forcément celui de la sagesse ! Le 15 juin 2024, Le Parvis fête ses 50 ans, célébrant ainsi 5 décennies de création tous azimuts.

Pour sa part, le centre d'art contemporain qui en 50 ans a programmé plus de 300 expositions, soufflera ses bougies avec une exposition en mode feed-back et prospective, intitulée Future is now, qui conviera une cinquantaine d'artistes ayant exposé de 1974 à 2024 à revenir sur les lieux du crime !

Le Parvis qui est l'une des premières institutions d'art contemporain à voir le jour en France est également l'une des plus atypiques. Et force est de constater que ces 5 décennies passées n'ont pas entamé l'engouement des artistes et des publics pour ce lieu intrigant, implanté dans un centre commercial et intégré à une scène nationale.

Bien au contraire car aujourd'hui encore, les artistes sont particulièrement inspirés par cette configuration insolite.

Et ce dont témoigne l'exposition Future is now, c'est bien de leur attachement au lieu..., pour que 40, 30 ou 20 ans après, ils décident d'y revenir avec le même plaisir !

Le Parvis y présentera, entre autres, l'oeuvre de Saâdane Affif Vice de forme (Verde Malachite), 2017

Commissariat de l'exposition : Sylvie Froux

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Visuel : Alain Séchas, le chat cadeau, 1998 © Alain Séchas, tous droits réservés. Crédit photo, Alain Alquier.

Du 15 juin au 11 août 2024, une exposition temporaire labellisée olympiade culturelle par Paris 2024 sera à découvrir dans les salles du Château de Montsoreau – Musée d'Art Contemporain.

Le contenu de l'exposition sera issu de l'appel à participation ouvert aux artistes le 20 avril 2024.

Cette exposition permet aux artistes résidant dans l'un des 203 pays participants aux Jeux Olympiques de concourir dans l'une des dix catégories définies dans le règlement : peinture, dessin, poésie, musique, art vidéo, sculpture, performance, fiction, installation, photographie. Une compétition artistique en écho à la plus exigeante des disciplines athlétiques en plein air.
Pour cette exposition, chaque pays sera représenté par un artiste, sélectionné par un comité composé d'acteurs du milieu de l'art selon un règlement prédéfini.

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Le duo d'artistes David Brognon et Stéphanie Rollin discuteront des éléments clés de leur pratique artistique, notamment de leur travail avec les communautés locales, qui a servi de base à l'exposition Templates of Chance, lancée à Rua Red le vendredi 7 juin au soir. Tous les âges sont les bienvenus, bien que le contenu soit plus adapté à un public adulte.

Les artistes luxembourgeois Stéphanie Rollin et David Brognon sont décrits comme des « explorateurs de l'abîme ». Depuis 2006, le duo de collaborateurs observe ceux qui vivent en marge de la société. Ils créent de modestes monuments à la mémoire de ceux qui sont tombés dans l'oubli, où addiction et mélancolie se côtoient. Leur travail ne crie pas, il se déploie tranquillement.

Au cours des 18 derniers mois, Brognon et Rollin se sont intégrés à la communauté de Tallaght dans le cadre d'une résidence et d'une nouvelle commande pour Rua Red. Cette commande, intitulée Templates of Chance, traite du processus de guérison de la toxicomanie et montre que l'échec, la persévérance et la progression sont des éléments essentiels de ce processus.

Rencontre avec les artistes : Brognon Rollin

8 juin 2024

14h00 - 15h00

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Philippe Parreno est une figure éminente de l'art contemporain français et l'un des artistes les plus importants d'aujourd'hui. Il utilise un large éventail de médias, dont le film, le son, la sculpture, les objets, le texte et le dessin, tout en se concentrant sur les frontières entre la réalité, la fiction et l'hypothétique. Il s'interroge également sur les concepts d'art et de paternité, en collaborant avec de nombreux artistes, architectes et musiciens.

Le Pola Museum of Art a le plaisir de présenter l'une des plus grandes expositions personnelles de Parreno au Japon, qui englobe la diversité de sa pratique, depuis ses premières œuvres des années 1990 jusqu'à une installation dévoilée pour la première fois, en passant par son célèbre film Marilyn, qui figure parmi les pièces maîtresses.

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Philippe Parreno, My Room Is Another Fish Bowl, 2022. Crédit photographique © Andrea Rossetti.

Vaincre une dépendance est un processus lent et personnel, qui fait appel à toutes nos forces et à toutes nos vulnérabilités. La rechute n'est pas un échec, mais une étape nécessaire du long voyage vers le changement.

Au cours d'une série de conversations avec la Drug & Alcohol Task Force de Tallaght, il est apparu clairement que les gens avaient besoin d'un symbole physique pour ce voyage, pour visualiser et tenir dans leur main le chemin qu'ils ont parcouru. Ces jetons représentent des moments de victoire : 10 ans, 5 ans, 1 an, 6 mois, et peut-être le plus important, le premier jour - le jour de la décision et de l'action (« Take the risk or lose the chance »).

Cinq jetons ont été conçus, chacun estampillé de figures symboliques et de mantras recueillis lors de rencontres avec des personnes en voie de guérison. Le phare, l'ancre, le miroir... Ces jetons sont désormais remis en échange de réalisations personnelles significatives dans les communautés de Tallaght.

Dans une installation vidéo, ces jetons sont confiés à Rua, un magicien dublinois qui excelle dans la manipulation et la tromperie. Par ses tours de passe-passe, il joue avec nos attentes ; le métal chargé de temps s'évanouit à son gré. Lorsqu'il a les mains liées, c'est la gravité qui prend le dessus. Apparaître et disparaître du monde, devenir présent ou s'effacer.

Anthony Van den Bossche

Commissaire d'exposition @maoliosaboyle
Responsable de production @joyce.dunne
Technicien senior : Hugh McCarthy
Assistant technicien : Paul Heary
Développement technique : Radek Pater and Agnieszka Kozioł, Eidotech
Vidéaste @eamo.ie
Photographe @juliette.rowland
Design jeton @nynketynagel
Production jeton : Des Hurley
Essai @marc.donnadieu
Texte de @anthony_van_den_bossche
Designers: Rossi McAuley and Jenny Leahy

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stanley brouwn a comme co-commissaire ann goldstein, directrice adjointe et conservatrice principale, art institute of chicago et jordan carter, conservateur et codirecteur du département, dia art foundation et ancien conservateur associé, art moderne et contemporain, art institute of chicago.

Cette exposition est présentée actuellement au stedelijk museum amsterdam du 31 mai au 1^er septembre 2024.

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Jean-Baptiste Farkas, Obéir, phase de collecte.

Du 25 mai au 9 juin, à Institut français de Tokyo, l'exposition Gewalt : Devenir des résistances à la violence institutionnelle, vise à interroger la fonction politique et sociale de l'art, en tant que phénomène de résistance. En miroir, il s'agit également d'évaluer le rôle de l'art dans les mouvements sociaux et les luttes révolutionnaires contemporaines.

Jean-Baptiste Farkas présente à cette occasion une activation du service Obéir. L'activation de ce service, demande aux participant·e·s de partager de manière anonyme des expériences d'obéissance qui les ont mis en colère ou mal à l'aise. Ils sont invité·e·s à décrire librement et sans retenue ces actes regrettables. De brèves descriptions doivent être envoyées à une adresse* à Tokyo. L'objectif de cette activation est de sensibiliser le public aux différentes formes de l'obéissance dont on sait qu'elle nous blesse bien souvent. Les documents recueillis seront exposés lors de l'exposition et détruits à son issue.

* Institut français de Tokyo – 15 Ichigaya-funagawara-machi, Shinjuku-ku, Tōkyō 162-8415 Pôle artistique

Commissariat : Alexandre Taalba

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Cette exposition est soutenue par Arts Council Tokyo, Nomura Foundation et The Asahi Shimbun Foundation.

Graphisme : Nakashima Rika

Kamera N°9 - Peter Downbrough

Peter Downbrough y présentera une série d'oeuvres vidéo dont vous découvrirez en détail la liste dans le lien ci-dessous.

Du vendredi 17 au mardi 21 juin 2024 (fermé le dimanche), de 14 h à 18 h

Adresse : Labor Neunzehn, Kiefholzst. 19/20 - 12435 Berlin

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© Peter Downsbrough, A Place to Be, 26:46 min, b/w, sound, u-matic, 1977 – Courtesy of argos centre for audiovisual arts

Dans son oeuvre vaste et complexe, John Miller s'oppose à plusieurs reprises aux désirs de la société de consommation occidentale. Avec son approche éclectique et sa stratégie artistique à la fois sceptique et ironique, il explore l'autonomie de l'œuvre d'art tout en examinant le mythe du génie artistique. Il en résulte un commentaire intelligent et humoristique sur l'identité, l'économie, la culture et les questions sociopolitiques, qui remet constamment en question les valeurs établies.

A l'occasion de Videoart at Midnight, John Miller présente Tracking (2023), un essai filmique sur la traque sous diverses formes, notamment la chasse, la surveillance et le cinéma. Il les juxtapose à des récits de rêves. Tracking sera complété par les vidéos de mannequins de Miller ainsi que par des collaborations avec Richard Hoeck et Takuji Kogo.

Date : Vendredi 17 mai 2024 à minuit

Lieu : BABYLON, big cinema hall, Rosa-Luxemburg-Str. 30, Berlin

Entrée gratuite

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John Miller The Trip, 2019 (film still)

Cette exposition présente une réimagination de l'installation marquante de Jenny Holzer présentée au Guggenheim en 1989. Gravissant les six rampes de la rotonde conçue par Frank Lloyd Wright jusqu'au sommet du bâtiment, l'installation spécifique au site, transforme le bâtiment avec un affichage de textes défilants, comprenant des sélections de ses séries emblématiques, telles que "Truisms" et "Inflammatory Essays".

Light Line met en évidence l'utilisation incisive de l'écrit à travers le temps et les médias dans la pratique de Holzer. Outre le panneau LED, l'exposition présente une sélection d'oeuvres de Holzer datant des années 1970 à aujourd'hui, notamment des peintures, des poèmes et des pièces en pierre.

Du 16 au 20 mai, la projection lumineuse de l'artiste For the Guggenheim a illuminé la façade du bâtiment avec une sélection de poèmes et de récits de témoins oculaires qui parlent de la nécessité de la paix.

L'exposition Jenny Holzer : Light Line est organisée par Lauren Hinkson, conservateur associé des collections. Les recherches sur la conservation et le traitement de l'installation de Jenny Holzer pour le musée Solomon R. Guggenheim sont dirigées par Lena Stringari, directrice adjointe et conservatrice en chef Andrew W. Mellon, et Agathe Jarczyk, conservatrice associée pour les supports temporels.

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En écho à la présentation en cours de l'œuvre de Philippe Thomas dans l'espace des collections contemporaines du Musée national d'art moderne (23 novembre 2023 - printemps 2024, niveau 4, salles 21, 21bis et 22), la Bibliothèque Kandinsky consacre une soirée à l'actualité de la recherche sur l'artiste.

Cette conférence aura lieu le 15 mai 2024, de 18h30 à 20h30.

Dans la salle de lecture de la Bibliothèque Kandinsky.

Entrée libre, réservation souhaitée.

Avec les contributions de Bernard Blistène, Patricia Falguières, Élisabeth Lebovici et Clément Raveu.

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Avec le soutien de l'Estate Philippe Thomas, Claire Burrus et Jan Mot.

michèle didier a consacré une exposition à l'oeuvre de Philippe Thomas en 2014, Philippe Thomas : AB (1978-1980), dont la commissaire était Émeline Jaret.

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Les ready-made appartiennent à tout le monde^®, La Pétition de principe, 1988, photographie noir et blanc, guéridon, palmier, porte-cartes, cartes de visite, stylo, livre d'or, cartel, dimensions variables, Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, dation, 2019, inv. : AM 2019-904. Photo: Daphné Charitos

L'art, le design et l'industrie se rencontrent à Krefeld et à Dunkerque, sur la côte française de la mer du Nord, qui fêteront le cinquantième anniversaire de leur jumelage en 2024. Ils sont également au centre des préoccupations du Kunstmuseen Krefeld et du FRAC Grand Large - Hauts-de-France, l'un des Fonds régionaux d'art contemporain, qui collectionne l'art contemporain depuis 1982 et l'expose dans différents lieux de la région.

Dans le cadre d'un échange de collections, une sélection d'œuvres clés d'art contemporain international et de design de la collection du FRAC s'installera dans les anciens bâtiments résidentiels Haus Lange Haus Esters. Des projets hors site dans l'espace urbain de Krefeld et dans des écoles complètent l'exposition et créent des scénographies et des situations participatives surprenantes. Le dialogue international donne vie aux anciens bâtiments résidentiels conçus par Ludwig Mies van der Rohe et souligne l'importance du dialogue entre les disciplines de l'art et du design à l'intérieur et à l'extérieur du musée. Une exposition d'œuvres de la collection du Kunstmuseen Krefeld de Dunkerque se déroulera au Frac Grand Large en 2025.

Avec : Stéphane Calais, Latifa Echakch, Dominique Gonzalez-Foerster, Philippe Parreno, Hella Jongerius, Studio Formafantasma, Rirkrit Tiravanija et bien d'autres.

Le Kunstmuseen Krefeld présente, entre autre, l'oeuvre de Saâdane Afif L'André, 2008 – 2011, vélo de course repeint aux couleurs d'André Cadere.

Commissaire d'exposition : Katia Baudin (directrice du Kunstmuseen Krefeld)

Museum Without Borders est une collaboration et un échange de collections entre le Kunstmuseen Krefeld et le FRAC Grand Large - Hauts-de-France à Dunkerque.

Plus d'informations ICI et ICI

Haus Lange, Ludwig Mies van der Rohe © Photo : Dirk Rose, Kunstmuseen Krefeld

Depuis les années 1960, Lynn Hershman Leeson a façonné des discours artistiques sur la performance, l'interactivité, les cyborgs, la surveillance, l'intelligence artificielle et la biogénétique, ouvrant une voie que de nombreuses générations allaient suivre. Elle a travaillé avec certains des scientifiques les plus importants de notre époque, amenant l'art dans un dialogue complexe avec la science. En tant que professeur et critique, Hershman Leeson a beaucoup écrit sur l'art, les médias et la politique. Entre 1974 et 1978, elle a demandé à plus de 300 artistes de présenter des oeuvres d'art dans des espaces publics dans le cadre du musée flottant, qu'elle a fondé comme une plateforme pour les artistes exclus des institutions de l'époque. Parallèlement à son travail artistique, Hershman Leeson a écrit et réalisé six longs métrages et documentaires, dont une sélection sera présentée dans le cadre du programme public accompagnant l'exposition.

Julia Stoschek Foundation: Schanzenstrasse 54, 40549 Düsseldorf

Commissaire : Lisa Long
Assistante commissaire : Line Ajan

Pour plus d'informations, cliquez ICI

Crédits: Lynn Hershman Leeson, The Electronic Diaries of Lynn Hershman Leeson 1984-2019, 1984-2019, six-channel video installation, Courtesy the artist; photographe: Alwin Lay

Pendant des décennies, dans les périphéries européennes, nous avons ignoré les considérations sur notre implication dans les histoires du colonialisme et de la décolonisation qui ont façonné le discours public à la fois dans le Sud et le Nord de la planète. Les États d'Europe centrale et orientale (ECE) et d'Europe du Sud-Est (SEE) n'ont, pour la plupart, pas participé directement aux efforts de colonisation et ont, par une position anti-impérialiste au cours des différentes mises en œuvre des socialismes d'État, exprimé une position anticoloniale déclarée. Néanmoins, les périphéries européennes, historiquement subordonnées à différents empires jusqu'au début du XXe siècle, ont été affectées par l'histoire du colonialisme et de la colonialité. En conséquence, elles ont fait partie des relations mondiales créées par cette histoire.

Ferenc Gróf a été invité à participer à cette exposition avec dix autres artistes, il y présentera son oeuvre Our rogue State, 2015. Il met en évidence des détails de peintures historiques montrant différents États européens luttant contre les Ottomans dans les signes diacritiques utilisés dans l'alphabet latin élargi. Le texte de l'affiche et le titre de l'œuvre sont Our Rogue State*. L'oeuvre s'écarte de la peur contemporaine des migrations extra-européennes et des discours de droite qui évoquent la menace ottomane dans le contexte modifié des migrations causées par les privations et les besoins existentiels.

* Selon les termes de l'artiste : "L'oeuvre Our Rogue State interroge cette tradition de lutte contre l'Autre, le non-chrétien, l'envahisseur, l'ennemi juré, omniprésente dans la peinture européenne. Cette phrase est un jeu de mots sur les mots "rogue state", une expression américaine spéciale de l'ère Reagan pour les pays "non obéissants", "hors-la-loi", qui se trouvent être presque toujours des cultures "non basées sur l'écriture latine".

Commissariat : Iva Kovač

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« Liminal », une exposition conçue par Pierre Huyghe en étroite collaboration avec la commissaire Anne Stenne, présente d'importantes créations inédites, associées à des œuvres des dix dernières années, provenant notamment de la Collection Pinault.

Pierre Huyghe s'interroge depuis toujours sur le rapport entre l'humain et le non-humain et conçoit ses œuvres comme des fictions spéculatives à partir desquelles émergent d'autres modalités de monde. Les fictions sont pour lui « des véhicules pour accéder au possible ou à l'impossible – à ce qui pourrait être ou ne pas être ».

Pierre Huyghe transforme la Punta della Dogana en un milieu dynamique et sensible en perpétuelle évolution. L'exposition est un état transitoire peuplé de créatures humaines et non humaines et devient le lieu de formation de subjectivités qui ne cessent d'apprendre, de se modifier ou de s'hybrider. Leurs mémoires s'amplifient en permanence d'informations captées à partir d'événements qui traversent l'exposition, perceptibles et non perceptibles.

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UUmwelt, 2018 © Pierre Huyghe - Kamitani Lab / Kyoto University and ATR. Courtesy the artist, Marian Goodman Gallery, Esther Schipper, Hauser & Wirth, Galerie Chantal Crousel, Taro Nasu

Annette Messager, Jenny Holzer et les Guerilla Girls sont actuellement présentées dans une exposition intitulée Script Girls au Musée Champollion à Figeac, qui est dédié aux écritures du monde.

Dans une société gérée par les hommes où la parole féminine a longtemps été réduite au monde domestique, l'écriture apparaît comme un moyen de transgression et un vecteur d'émancipation.

Le langage n'est pas neutre, il permet une affirmation de soi. L'écriture est ainsi un des éléments importants dans la lutte pour le droit des femmes. L'usage de l'écrit dans l'art par les femmes artistes n'est, de ce fait, pas anodin et reflète nombres de questionnements et de combats qui vont bien au-delà du féminisme.

A travers les oeuvres de 23 artistes de différentes nationalités, dont Annette Messager, Sophie Calle, Jenny Holzer, Nil Yalter, Vera Molnar ou encore les Guerilla Girls, l'exposition Script Girls interroge sur le geste d'écriture dans la création contemporaine des artistes femmes des années 70 à aujourd'hui.

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Agnès Thurnauer, Portrait grandeur nature. Annie Warhol, 2007, (C) ADAGP, Paris, [2024] Photo (C) Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Bertrand Prévost

Carl Andre (1935 - 2024) est l'un des sculpteurs les plus connus du mouvement de l'art Minimal, qui a émergé principalement aux États-Unis à la fin des années 1960. Between Sculpture and Poetry est la première exposition personnelle d'Andre dans un musée japonais. L'exposition utilise pleinement son vaste espace pour présenter les sculptures d'Andre les plus connues, composées de blocs de bois, de plaques de métal et de dalles de pierre. Ayant la même taille et la même forme, elles sont placées en arrangements réguliers à même le sol. Compte tenu de la manière dont elles agissent sur l'espace dans lequel elles sont installées, l'artiste décrit ces œuvres en utilisant le terme de " sculpture en tant que lieu ".

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Le 15.02.2024 à 17 heures sur la Grand-Place de Graz, Autriche

Dans le cadre de Ridiculously Yours ! Art, Awkwardness and Enthusiasm à la Neue Galerie Graz, Saâdane Afif présente la performance Play Opposite or Ubu Roi Disseminated, 2023 sur la Grand-Place de Graz.

Ubu Roi est la première pièce d'une trilogie de satires burlesques dans lesquelles Alfred Jarry formule une critique féroce du pouvoir, de l'autorité et de la cupidité de la bourgeoisie. Avec leur folie enfantine et leur humour, les pièces de Jarry contredisent les conventions sociales et culturelles de l'époque et ouvrent la voie à l'esthétique avant-gardiste du XXe siècle. Oeuvre d'une puissance révolutionnaire, Ubu Roi est notamment considéré par beaucoup comme un précurseur du dadaïsme, du surréalisme et un maître de l'absurde.

Commissaires d'exposition : Jörg Heiser and Cristina Ricupero

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Le M HKA présente une grande exposition individuelle de l'un des plus influents artistes états-uniens : Jim Shaw. Son langage visuel idiosyncrasique est truffé de références à la culture populaire de son pays. Ces dernières décennies, son œuvre dévoile plus que jamais auparavant les frictions entre les cadres de réflexion conservateurs et progressistes. The Ties That Bind met en lumière les motifs essentiels de la pratique de Jim Shaw et présente des œuvres récentes aux côtés d'une  sélection d'œuvres historiques.

Depuis la fin des années 1970, Jim Shaw construit une œuvre complexe et captivante qui se compose de photographies, de dessins, de sculptures, de peintures, d'installations, de films et de performances musicales. Des formes de culture populaire telles que les bandes dessinées, les films hollywoodiens, les caricatures constituent une part essentielle de son œuvre, au même titre que la religion, les croyances populaires, la culture du divertissement et les arts amateurs. Son examen critique approfondi de la manière dont nous édifions nos valeurs et nos croyances va de pair avec un langage visuel d'une richesse inépuisable.

Commissariat : Anne-Claire Schmitz

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Découvrez le livre Dream Object Book, que michèle didier a produit et publié en 2011.

Depuis les années 1990, Jim Shaw dessine l'objet de ses rêves nocturnes dans la série des Dream Drawings qui aboutissent éventuellement à la création d'œuvres intitulées Dreams Objects. Hétérogène, cette série est un écho stylistique à l'œuvre d'autres artistes, ainsi qu'à un ensemble de différents éléments de mobilier, ou d'objets variés.

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C'est avec une grande tristesse que nous avons appris le décès de Carl Andre, artiste majeur du Minimalisme. Il restera dans nos mémoires.

The Guerrilla Girls will be at the Tate Modern for talks and events during the period of January 23 to 28, 2024.

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Dans le cadre de ses activités « Hors-les-murs », le Frac Sud – Cité de l'art contemporain et le Bonisson Art Center organisent l'exposition …Less is more…

Le Frac Sud – Cité de l'art contemporain a pour missions le soutien à la création contemporaine, la transmission et la médiation pour un réel accès de tous à l'art contemporain. Créé il y a 40 ans, il mène de front une double programmation in situ et en région, entendant offrir à tous les publics la possibilité de découvrir l'art contemporain. Fort de plus de 1400 œuvres avec plus de 650 artistes représentés, le Frac Sud – Cité de l'art contemporain a su rester attentif à travers ses acquisitions à la pluralité des formes de recherche artistiques.

Le Bonisson Art Center souhaite intervenir dans la mise en lumière des oeuvres, mais aussi dans le déroulement de la carrière des artistes. Il se fixe 3 missions prioritaires: le soutien à la création contemporaine, la diffusion de l'art contemporain dans son territoire, la formation des publics.

Cette exposition réunit des artistes de renoms et d'autres ayant plus récemment fait leur apparition dans le circuit de l'art contemporain. Des oeuvres d'artistes régionaux, nationaux et internationaux se croisent, mettant en valeur différents médiums tels que le dessin, la peinture, la photographie, la sculpture ou encore l'installation.

Le Frac Sud présente, entre autre, l'oeuvre de Saâdane Afif Noir - 50% gris – Blanc, 2003, série de 3 sérigraphies monochromes.

Commissariat de l'exposition : Christian Le Dorze (directeur du Bonisson Art Center).

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 Visuel : Seulgi LEE, U : La parole aux lèvres salivées = mensonge, 2017 © Adagp, Paris, courtesy de l'artiste et de la Galerie Jousse Entreprise

Kay Rosen et moi sommes en conversation depuis plus de trente ans, depuis que j'ai vu son travail pour la première fois à Feature Inc. à New York à la fin des années 1980. Depuis, notre relation s'est construite autour de l'art et de la vie, et pas seulement parce que je suis née dans l'Indiana en 1965, quelques années avant que Kay - originaire de Corpus Christi, au Texas - ne s'installe dans l'État de l'Hoosier pour y vivre et y travailler. 1965 est également l'année où elle a obtenu sa licence en linguistique, espagnol et français au Newcomb College de l'université de Tulane. En 1968, elle s'est installée dans le nord pour suivre des études supérieures en linguistique et en espagnol à l'université Northwestern. La décision ultérieure de Kay de passer de la linguistique à la création artistique basée sur le langage a ouvert les portes de ce qui est devenu une carrière de plus de cinquante ans consistant à briser ou à modifier les règles du langage, à étendre de manière exponentielle son territoire et sa signification, ainsi que les formes visuelles qui lui donnent forme.

Il y a vingt-cinq ans, Connie Butler et moi-même avons organisé la première exposition muséale de Kay, lifeli[k]e, au Museum of Contemporary Art et à l'Otis College of Art and Design de Los Angeles. Aujourd'hui, alors que la première exposition de Kay dans un musée européen vient d'ouvrir ses portes, nous avons ajouté l'échange suivant à la brillante légende de Kay.

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Kay Rosen, Sheep In Wolf's Clothing, 1987/2023. Peinture murale, dimensions variables.

Vue de l'installation : Kay Rosen: Now and Then, Weserburg Museum for Modern Art, Bremen, Allemagne, 2023. Photo: Tobias Hübel.

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À partir du 12 janvier 2024, un regard lumineux s'élèvera vers le ciel depuis le fort Saint-Jean.

Le duo d'artistes Brognon Rollin transformera la tour du Fanal en phare poétique, à travers lequel ils adresseront aux Marseillais un message de Pone.

Atteint de la maladie de Charcot depuis 2015, Pone, l'iconique beatmaker de la Fonky Family est appareillé d'une technique informatique de calibrage oculaire. Avec ses yeux, il peut ainsi naviguer seul sur internet et communiquer avec ses proches, alors que la maladie le paralyse et le prive de sa voix.

En conversation avec lui, David Brognon et Stéphanie Rollin ont capté et archivé le mouvement de ses pupilles. Cet enregistrement numérique est connecté à la tour du Fanal. L'ancien phare reprend vie et reproduit fidèlement le mouvement des pupilles de Pone. 

Jusqu'au mois de juillet, à la nuit tombée ou au petit matin, un extrait de leur conversation visuelle éclairera le ciel et la terre par intermittence, suite d'épiphanies muettes à l'échelle de la cité phocéenne.

Commissaires:
Hélia Paukner, conservatrice responsable du pôle Art contemporain, Mucem
Justine Bohbote, conservatrice responsable du pôle Sport et Santé, Mucem

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Brognon Rollin, Le Phare, 2022-2024 (simulation) © Mucem / Brognon Rollin / Julie Cohen

Paul-Armand Guette s'est éteint à l'âge de 96 ans.

La production, entre autres, de Cinématographies, 2017, par la galerie, témoigne d'un essai de classification d'un ensemble photographique, résultant d'une collection et d'un archivage minutieux après observation. Son intérêt pour la nature, nourri par sa passion pour l'entomologie, a façonné son regard artistique, scrutant aussi bien les détails naturels que leur structure et organisation.

Au revoir Paul-Armand.

La pensée de Jacques Lacan est avec celle de Roland Barthes, Michel Foucault, Jacques Derrida et Gilles Deleuze, essentielle pour comprendre notre contemporanéité. Or, si des hommages et des expositions ont déjà considéré la plupart de ces figures intellectuelles, la pensée de Lacan reste à ce jour, sur le plan muséal, inexplorée, alors que ce dernier a entretenu une relation très forte avec les oeuvres d'art.

Le Centre Pompidou-Metz présente : Lacan, l'exposition. Quand l'Art rencontre la psychanalyse, première exposition consacrée à Jacques Lacan, sous le commissariat de Marie-Laure Bernadac et Bernard Marcadé, historiens de l‘art, associés à Gérard Wajcman et Paz Corona, psychanalystes. Plus de 40 ans après la mort du grand psychanalyste, il était naturel d'envisager une exposition liée aux relations privilégiées de Lacan avec l'art. En mettant en résonance à la fois les objets d'art qu'il a lui-même indexées ou collectionnées, les hommages que les artistes lui ont rendus, ainsi que les oeuvres modernes et contemporaines, tous·tes peuvent faire écho aux articulations conceptuelles de sa pensée.

michèle didier a l'honneur d'y voir figurer des oeuvres de Saâdane Afif ; Suzy Lake, Miss Chatelaine, 1973 ; Annette Messager, Ma collection de proverbes, 1974-2012 et Martha Wilson, Mona/Marcel/Marge, 2014, avec qui la galerie travaille.

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René Magritte, Le Faux Miroir, 1928, huile sur toile, 54 x 80.9 cm
©️ Adagp, Paris, 2023 / Photo ©️ Digital image, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Florence

Depuis les années 1970, Muntadas ne cesse d'interroger les formes et lieux du pouvoir, les codes architecturaux et les stéréotypes forgés par les médias, s'appuyant sur des vidéos, posters, installations, photographies, publications, objets, inserts dans les journaux…

Rappelons qu'il est un des premiers artistes à avoir réalisé un projet Internet en 1994 sur la question de la censure The File Room. Sa réflexion et sa pratique artistique sont fondées sur l'enquête et le questionnement. Un regard et une attitude souvent proches de ceux des sociologues ou des anthropologues. Ses projets (terme qu'il préfère à celui d'œuvre) sont des artefacts à activer.

La présentation par l'artiste de la série La Construction de la peur (en particulier les vidéos On Translation Fear/Miedo, ou Alphaville e outros 2011) qu'il a commencée en 2005 et dont la dimension critique est d'une vive actualité, sera suivie du lancement de Muntadas Media Architecture Projects, le dernier titre d'anarchive, avec Anne-Marie Duguet qui en assure la direction éditoriale. Ce projet pour le web, accompagné d'un livre à paraître en 2024, examine cinq séries de projets réalisés par Muntadas depuis 1999, date de parution du premier titre de la collection publié par les éditions du Centre Pompidou, Muntadas Media Architecture Installations. Chaque série On Translation, La Construction de la peur, About Academia, Asian Protocols et Strategies of Displacement, regroupe plusieurs travaux qui sont examinés essentiellement selon plusieurs niveaux de l'invisible : émergence du concept, processus de recherche et de production, résonance contextuelle.

Projection et rencontre, le 13 décembre 2023 de 19 à 21h, cinéma 2, niveau -1

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Antoni Muntadas: Fear, Panic, Terror, 2010

Thierry de Duve en conversation avec Saâdane Afif (en français), autour de son dernier livre, Duchamp's Telegram, From Beaux-Arts to Art-in-General.

Le 23 novembre  2023, à 19h. Wiels Auditorium.

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Les bagageries solidaires sont des dispositifs permettant aux personnes sans-abri de déposer et sécuriser leurs effets personnels. Gratuites, elles visent à apporter une aide matérielle et psychologique, mettant sacs de couchage, vêtements, documents et souvenirs à l'abri de la perte, de la dégradation ou du vol.

Au croisement de l'art et de la solidarité, Transfo, espace culturel établi dans un centre d'hébergement d'urgence du 10ème arrondissement de Paris, invite l'artiste plasticienne Annette Messager à ouvrir notre regard sur ces « affaires personnelles », éclairées par des images du photographe Nicolas Krief et un reportage de la journaliste Isabelle Rey-Lefebvre.

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Affaires personnelles, Transfo-Emmaüs Solidarité, du 23 novembre 2023 au 3 février 2024

Le Weserburg Museum für moderne Kunst présente la première exposition personnelle institutionnelle de Kay Rosen en Europe. Depuis les années 1970, l'artiste américaine (*1943 à Corpus Christi, Texas ; vit à New York et à Gary, Indiana) utilise le langage comme matériau artistique. Elle est surtout connue dans le monde entier pour ses œuvres murales qui représentent des mots, des phrases ou des séries de lettres, souvent dans des dimensions massives. La forme minimaliste, l'impact esthétique et l'intelligence du contenu sont ici réunis de manière impressionnante.

L'exposition de Brême rassemble une quarantaine d'œuvres, dont plusieurs œuvres murales de grand format, des peintures, des dessins, des gravures et des vidéos. Outre des œuvres majeures exemplaires, l'exposition présente également une nouvelle image linguistique en six parties, spécialement conçue pour les espaces du musée.

Commissaire de l'exposition: Ingo Clauß

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Une conversation entre Martha Wilson et Arlène Berceliot Courtin

À l'occasion de la première exposition d'envergure en France de Martha Wilson, la curatrice indépendante, Arlène Berceliot Courtin s'entretiendra avec l'artiste et performeuse nord-américaine revenant ainsi sur sa carrière, depuis son arrivée à New York au début des années 1970 jusqu'à la fin de la présidence de Donald Trump.

Biennale de la Joliette - Entrée libre : Jeudi 26 octobre 2023 de 18h30 à 20h00

Frac Sud - Cité de l'art contemporain

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À l'occasion de l'exposition "Extremely small particles" consacrée à l'Art Action qui se tiendra à l'automne 2024 aux Bains du Nord, le FRAC Bourgogne propose une programmation de préfiguration jalonnée d'événements. Dans ce cadre, deux rencontres ont été organisées :

Le 24 octobre : la rencontre avec Martha Wilson a été l'occasion de découvrir le travail de cette artiste dont l'oeuvre aborde principalement les questions d'autoprésentation et de la représentation du féminin dans la société contemporaine.

Le 25 octobre : Suzy Lake travaille avec différents supports : peinture, photographie et vidéo… En tant que militante, elle témoigne d'un profond engagement pour le féminisme et les droits civils. Cette rencontre a été l'occasion d'échanger avec elle sur ces questions toujours d'actualité. L'oeuvre de Suzy Lake est entrée dans la collection du FRAC Bourgogne en 2022.

Le frac Bourgogne – Rencontres avec Martha Wilson et Suzy Lake – aux Cuisines Ducales, Palais des États des Ducs de Bourgogne - 1, rue Rameau Dijon

Pour découvrir la conversation que nous avons eue avec Suzy Lake lors de son passage à Paris, rendez-vous sur notre Instagram dès à présent.

L'exposition "This Is Me, This Is You" présente pour la première fois cette collection de photographies d'importance internationale, qui s'est développée au cours de quatre décennies. Depuis le début de sa passion pour la collection, à la fin des années 1980, Eva Felten s'est particulièrement intéressée à la représentation des personnes, un intérêt qu'elle a poursuivi avec constance ces dernières années et qui rend la collection unique sous cette forme. Ce qui unit les photographies, c'est une vision sensible de l'individu, des différents modes de vie, des attitudes politiques et des conflits intérieurs, révélant un panorama varié d'images dans l'ensemble de l'exposition.

Commissaire de l'exposition: Monika Bayer-Wermuth

L'oeuvre de Suzy Lake, On Stage, fait partie de la collection d'Eva Felten et sera présentée lors de cette exposition.

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Lab'Bel, le Laboratoire artistique du Groupe Bel, a lancé en 2014 une série de collaborations exceptionnelles avec des artistes contemporains pour la réalisation de Boîtes Collector La Vache qui rit®. Ces éditions limitées proposées chaque automne actualisent et réinventent les liens que les artistes tissent avec la marque depuis sa création en 1921.

C'est à l'artiste américaine Martha Wilson que Lab'Bel a confié la conception de la dixième édition. Martha Wilson est sans doute la plus importante artiste américaine qui poursuit un engagement social pour la démocratisation de l'art comme vecteur d'émancipation.

Les Boîtes Collector Martha Wilson ont été dévoilées en avant-première du 17 au 22 octobre 2023 à Paris, dans le cadre de la foire Paris Internationale.

Elles sont maintenant en vente au prix de 5€ sur notre site, dans la limite des stocks disponibles, suivant le lien ci-après:

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Voir le monde, le rêver, entre réalité et utopie, le représenter, s'en inspirer, le décrire ou le projeter… UNTEL en a développé les possibles à travers différents médiums – la performance, l'installation, la photographie, la diffusion de brochures…– souvent en interaction avec le public.

Par Line Herbert-Arnaud.

Suite de l'article du Quotidien de l'Art

> https://www.lequotidiendelart.com/articles/24533-untel-what-else.html

Pour les 40 ans des Frac, il s'agit à la fois de repenser l'histoire de l'institution, écrite notamment par le biais de sa collection, et de tendre vers des futurs communs et désirables.

L'exposition Gunaikeîon invite plusieurs commissaires à écrire leur propre récit à partir des oeuvres de la collection et dans la rencontre avec d'autres oeuvres invitées. Traditionnellement, le gunaikeîon était l'appartement, dans les maisons grecques et romaines, où les femmes passaient la plupart de leur temps et qui se situait à l'écart, afin qu'elles n'aient aucun contact direct avec la rue. Avec cette exposition, il s'agit au contraire d'ouvrir les espaces des Réserves du Frac et de la Chaufferie de la Fondation Fiminco aux quartiers alentours et aux bruits du monde. L'exposition se déploie en plusieurs chapitres où les commissaires proposent une actualisation de la collection à l'aune de leurs obsessions respectives, ancrées dans la société contemporaine.

Céline Poulin y présente Joue ou Perds de Claude Closky. L'indication « jouez », figurant sur cette oeuvre, nous invite à relancer presque à l'infini le dé, sans aucune possibilité de gain, comme le fonctionnement du don théorisé par Marcel Mauss. Évolutif et activé durant toute la durée de l'exposition, ce chapitre réunit d'autres oeuvres de la collection ou hors collection évoquant les mécanismes du jeu, de la pédagogie, de la transmission…

Commissaires : Jade Barget, Daisy Lambert, Camille Martin, Céline Poulin & Elsa Vettier

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La Philharmonie nous offre un hat trick de génie en 2023 ! le musée de la Villette fera une transversale vers le ballon rond avec une installation autour de… Zinédine Zidane, le plus soyeux pied droit de l'histoire va faire des passements de jambes artistiques à la Philharmonie.

Ce projet, qui lance la programmation olympique de la salle, sera construit autour du film Zidane, un portrait du XXIe siècle de Philippe Parreno et Douglas Gordon.

Sorti en 2006, ce long-métrage a été tourné pendant un match de Liga entre le Real Madrid et Villarreal, avec 17 caméras synchronisées et tournées sur le seul Zidane, le tout accompagné d'une bande-son rock composée par Mogwai.

On respire, on se fatigue, on s'énerve avec lui… Bref, on la joue vraiment comme Zidane en déambulant au milieu des 17 écrans géants suspendus, chacun avec sa bande-son.

Comment ne pas avoir les poils avec cette installation ? Le film se révèle majestueux, intense et dramatique, à l'image de la flamboyante carrière de Zizou, qui s'arrêtera en 2006 sur un rouge, comme à la fin de ce match. Prophétique !

Quand ? Du 5 octobre 2023 au 7 janvier 2024  

Où ? 211 avenue Jean-Jaurès, Paris 19e

Le duo d'artistes Brognon Rollin se livre sur les détails fascinants de Shadow Ban et de son protocole exclusif. Explorez les multiples concepts, idées, et émotions qu'iels ont cherchés à exprimer dans cette œuvre captivante, révélée pour la première fois à la foire de vidéos Around video Art Fair à Bruxelles.

Stéphanie et David partagent également leur vision unique du temps et de la durée, des éléments centraux dans la plupart de leurs vidéos.

Profitez de cette conversation qui éveillera votre curiosité à l'égard de Shadow Ban et surtout de son protocole.

Protocole

« Aucune règle n'est définitive. Tout bouge, toujours, partout. Nos terrains de jeux sont des espaces sociaux aux dimensions mouvantes, impermanentes. Le temps d'un match, le club marseillais Endoume Catalans choisit une ombre comme ligne de touche et la lumière comme terrain de jeu. »

Shadow Ban, 2023, vidéo couleur, 4K, 63'

La vidéo-rencontre avec le duo Brognon Rollin est visible sur notre Instagram!

L'exposition 2023 Umi Hall project Carl Andre, vise à examiner collectivement l'essence physique et les implications poétiques des oeuvres du sculpteur et poète Carl Andre en présentant des dessins, des sons, des sculptures miniatures, ainsi que des sculptures représentatives de l'artiste.

Dans le cadre de la transition épistémologique du minimalisme, Carl Andre a redéfini le mécanisme de production de l'art tout en rejetant les coutumes de l'art traditionnel et en mettant exclusivement l'accent sur l'absence de significations extérieures des oeuvres et sur les propriétés physiques des matériaux.

L'artiste a posé et empilé, appuyé contre le mur et placé sur le sol des matériaux industriels qu'il n'a pas traités manuellement, tels que des briques fabriquées en usine, du bois ou du métal pré-réduits, et des carreaux de pierre. Les oeuvres Merrymount (1980), 4th Steel Square (2008) et Belgica Blue Hexacube (1988) sont faites respectivement de bois, de plaques d'acier et de pierre calcaire, et les propriétés physiques des matériaux se révèlent complètement au fur et à mesure que le temps s'écoule.

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La Biennale Son est une manifestation qui met en lumière la place de plus en plus accrue du son dans le domaine de l'art contemporain. Pluridisciplinaire, elle cherche à brouiller les pistes souvent trop segmentées entre des disciplines artistiques plus proches qu'il n'y paraît. La Biennale Son propose aussi bien de découvrir des installations, des œuvres sculpturales, bidimensionnelles ou sous forme de textes, des films, ainsi que des performances, des concerts ou encore des pièces théâtrales. Parfois, des œuvres où le son est induit dans leur forme ou leur conception se font silencieuses.

Trois oeuvres de Saâdane Afif font partie de la collection Frac Franche-Compté et seront présentées lors de la biennale.

Commissaires: Christophe Fellay, Jean-Paul Felley, Luc Meier & Sylvie Zavatta

Frac Franche-Compté > plus d'information

Fondation Louis Moret > plus d'information

Farkas se définit comme un créateur audacieux qui conçoit des « modes d'emploi » sous différentes formes, organisées en collections. Ces protocoles d'actions, souvent teintés de trouble, de vandalisme et aimant le détournement, génèrent une expérience tangible dans le monde réel. Plutôt que de produire un objet d'art matériel, ces « rituels » visent à générer un état d'esprit ou un décalage dans notre perception du monde.

Les actions grinçantes et subtiles de Farkas remettent en question nos habitudes et notre relation aux objets. Elles s'inscrivent dans une logique non productiviste, voire soustractive, qui explore la valeur en art en défiant souvent le spectateur par des éléments de destruction, de contrainte ou de frustration, tout en préservant une pointe d'humour.

Pour Farkas, l'art doit être une source de questionnement qui rend problématique les normes comportementales ainsi que les normes artistiques elles-mêmes. Ses services, loin des « performances » ou des « happenings » identifiés comme tels, aspirent à conquérir le terrain de la réalité quotidienne. Ils émergent comme des anomalies, créant des événements imprévus et suscitant des confrontations. Selon l'artiste, pour avoir une action indiscutable dans le monde réel, il est essentiel de laisser de côté tout effet de style et de permettre à l'œuvre de se disperser et de s'infiltrer là où on ne l'attend pas.

Nous sommes impatientes de partager la vidéo-rencontre avec Jean-Baptiste Farkas le mardi 5 septembre sur notre Instagram !

Du 25 août au 10 septembre 2023 le Floating Cinema – Unknown Waters est de retour. Cet événement culturel se déroule dans les eaux derrière l'île de la Giudecca dans la lagune de Venise. Pour la quatrième année consécutive, une scène flottante visible depuis son propre bateau ou depuis une plateforme flottante, accueille une multitude de projections et de performances d'auteurs internationaux et locaux.

Cette édition aborde des thèmes tels que l'habitation, la relation entre l'humain et le non-humain et l'impact anthropique sur les écosystèmes. Dans cette continuité, en ce qui concerne le rapport à l'autre et à l'inconnu, plusieurs auteurs explorent le surhumain et l'au-delà.

C'est dans le cadre de ce festival qu'Antoni Muntadas présente les oeuvres Video is Television ? (1989) et On translation : Celebracions (2009). Au cours des 50 dernières années, Muntadas a concentré ses recherches sur l'interconnexion entre les sciences sociales et les médias de masse.

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Né en 1948, Cazal a marqué les années 80 avec une œuvre visuellement ancrée dans la mode et la publicité. En tant que véritable visionnaire, il a su questionner son époque et créer des œuvres d'une pertinence toujours saisissante.

Le travail de Cazal bouscule les frontières entre l'art, la politique, l'économie et la poésie, offrant une réflexion profonde sur notre société.

En tant que « fausse Compagnie ® », Cazal défie les conventions artistiques et explore le lien complexe entre l'art et le marché. Il déploie une stratégie marketing audacieuse en faisant de lui-même une œuvre d'art vivante, créant des affiches et des plaquettes promotionnelles qui deviennent des objets de collection. Son nom et son œuvre sont étroitement liés, témoignant de sa vision unique de l'art.

À travers ses créations des années 80, Cazal offre une perspective critique et libre sur le monde de l'art. En se détachant de l'objectif et en évaluant sa place dans le milieu artistique, il invite à la réflexion : « J'étais peintre et sculpteur lorsque j'ai pris la décision d'être artiste ».

Venez découvrir l'univers captivant de Philippe Cazal dans notre vidéo-rencontre qui sera diffusée le jeudi 17 août sur notre Instagram.

Plongez dans ses idées, son humour et sa vision audacieuse de l'art - voir même quelques anecdotes de son enfance.

Depuis les années 70, Muntadas explore les territoires du pouvoir, qu'il s'agisse de l'architecture urbaine, des médias ou de la culture, révélant les rituels, les codes et les enjeux cachés.

Avec une approche pluridisciplinaire, Muntadas utilise tous les moyens d'expression à sa disposition : vidéo, texte, photographie, son, affiche, livre, installation, et bien plus encore. Son travail interroge les systèmes de communication et les dynamiques sociales, dévoilant les flux d'information, les relations entre le public et le privé, et les mécanismes de pouvoir.

Son engagement envers l'art conceptuel et multimédia lui a permis d'explorer les enjeux politiques et sociaux de notre époque à travers des performances, des installations, des photographies, des médias numériques, des livres, l'art public, et bien d'autres médiums.

Ses œuvres incisives mettent en lumière les systèmes visibles et invisibles du pouvoir dans une société où les médias de masse, la surconsommation et les technologies avancées jouent un rôle central.

Nous sommes ravies de vous annoncer que la galerie continue son programme vidéo estival sur les réseaux ! et présentera une vidéo-rencontre avec Antoni Muntadas le jeudi 3 août surnotre Instagram.

N'hésitez pas à rester à l'affût et à ne pas manquer cette occasion de découvrir l'œuvre d'Antoni Muntadas qui explore les mécanismes du pouvoir et les réalités de notre monde contemporain.

A la suite de la visite de l'exposition Invisible, cet atelier propose aux participant(e)s de s'essayer à la prise de vue photographique, puis, sur des autoportraits réalisés en direct, d'intervenir à l'aide de techniques plastiques variées pour se grimer, filtrer, modifier partiellement ou totalement son apparence.

Atelier : samedi 29 juillet 2023 de 14h à 17h

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Gonzalez-Casanova est née à Puerto Rico et vit à Marseille. En 2016, elle crée le livre d'artiste intitulé Home Guard Manual of Camouflage / Manuel de camouflage pour la protection du territoire. Inspiré par le manuel de camouflage écrit par Roland Penrose pour l'armée britannique en 1941, ce projet explore les mécanismes de transmission des ambitions et des peurs à l'échelle collective.

Ce livre d'artiste hybride combine un ouvrage fonctionnel et une étude anthropologique. Il présente des conseils pratiques, utopiques et absurdes tirés de vrais manuels de camouflage militaires, de manuels de sécurité gouvernementaux et d'études scientifiques. Divisé en 12 livrets thématiques, il aborde des sujets tels que le mimétisme, le bluff, l'invisibilité et le terrorisme biologique.

Pour en savoir plus sur le travail fascinant de Cari Gonzalez-Casanova, la galerie publiera une vidéo-rencontre le vendredi 21 juillet sur notre Instagram.

Ne manquez pas cette occasion de découvrir une conversation captivante avec l'artiste qui explore la politique de la peur à travers son projet de livre d'artiste.

Personnalité singulière dans l'histoire de l'art américain depuis le début des années 1970, Wilson est l'une des premières artistes à faire usage de son corps, aux côtés de Hannah Wilke ou Eleanor Antin, pour questionner les représentations sociales du féminin au travers de ses performances, vidéos et photographies.

Son travail retrace la déconstruction des stéréotypes autour de la beauté féminine et d'un soi-disant idéal féminin, avec une problématique majeure : celle de l'âge et plus précisément la question de l'invisibilité de la femme de 70 ans. En modifiant son apparence physique, elle met ainsi à mal les stéréotypes identitaires d'une Amérique néolibérale. Précurseur, son travail pointe vers des territoires conquis ultérieurement par d'autres artistes contemporaines, comme Cindy Sherman ou Martha Rosler ou des philosophes féministes comme Judith Butler.

"Au cours des dernières décennies, Wilson a exploré sans relâche le potentiel de ces mises en parallèle (drôles et poignantes à la fois, pour la plupart) et s'est lancée dans un projet d'autoportraits où elle apparaît grimée sous les traits de personnes célèbres, souvent des First Ladies — comme dans la série The Politics and Performance Art (initiée dans les années 1970 et poursuivie jusqu'en 2020), où elle campe, entre autres, Nancy Reagan, Barbara Bush, Tipper Gore 1. À l'occasion, elle joue même le rôle de l'homme tout-puissant (par exemple en enfilant une perruque orange fluo et un costume ringard devant la Trump Tower dans Martha Does Donald, 2017).

Le corps de Wilson, l'identité de Wilson, l'image de Wilson (son autoportrait) — tout cela se déploie sous nos yeux, sans que soient dissimulées les marques de l'âge et tandis que de nouveaux masques se succèdent au fil des décennies. On pourrait aussi dire que son oeuvre — à l'instar du portrait photographique en général —, loin de chercher à déjouer la mort, souligne plutôt le caractère inéluctable de notre propre obsolescence et de notre finitude (cf. Roland Barthes, La Chambre claire, 1980), chaque visage étant un masque, chaque image une performance, chaque corps se mettant en scène étant voué à disparaître."

Pour découvrir les paroles de Martha Wilson par le biais de son interview à Marseille, découvrez le post du 7 juillet sur notre Instagram.

1. Extrait du texte Martha Wilson's Body/Martha Wilson's Self/ Martha Wilson's Image d'Amelia Jones, historienne de l'art, théoricienne et critique d'art

Personnalité singulière dans l'histoire de l'art américain depuis le début des années 1970, Martha Wilson est l'une des premières artistes à faire usage de son corps, aux côtés de Hannah Wilke ou Eleanor Antin, pour questionner les représentations sociales du féminin au travers de ses performances, vidéos et photographies. En modifiant son apparence physique, elle met ainsi à mal les stéréotypes identitaires d'une Amérique capitaliste. Précurseur, son travail pointe vers des territoires conquis ultérieurement par d'autres artistes contemporaines, comme Cindy Sherman ou Martha Rosler ou de philosophes féministes comme Judith Butler.

En 1976, elle fonde à New York Franklin Furnace, un espace alternatif dédié à l'expérimentation artistique et la conservation de livres d'artiste, de vidéos, de performances de cette avant-garde. Et en 1978 elle fonde le groupe de « punk conceptuel » Disband, mêlant performance et musique avec des femmes artistes ne sachant jouer d'aucun instrument (Ilona Granet, Donna Hennes, Ingrid Sischy, Dianne Torr).

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Vêtues de noir, le visage masqué par des masques de gorille surdimensionnés, "Frida Kahlo" et "Käthe Kollwitz" descendent dans la rue sous le nom de Guerrilla Girls pour engager le public dans leur lutte contre la discrimination dans le monde de l'art, qui dure depuis des décennies. Des séquences animées et des images d'archives illustrent la lutte pour l'égalité menée par le collectif d'artistes activistes au moyen d'affiches aux dessins audacieux et d'autres moyens créatifs.

A voir absolument ICI

Dans les gradins ou sur le terrain, le sport instaure un cadre collectif où se jouent aussi des rapports de pouvoir et où se redéfinit la place de chacun dans un groupe. Avec des dispositifs interactifs mettant en œuvre un terrain de golf (Temps libre) ou des supporters (D'autant qu'à plusieurs), Samuel Bianchini offre au spectateur la possibilité d'être partie prenante de l'action autant que de la représentation.  

Curatrice : Marie Ménestrier avec la collaboration de Sibylle Roquebert

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Robert Barry : Une Situation est une double rétrospective de l'artiste américain Robert Barry, conçue par Mathieu Copeland en collaboration avec l'artiste.

 Cette exposition confronte le spectateur à deux ensembles de l'oeuvre immense de Robert Barry, figure de proue de l'art minimal et pionnier de l'art conceptuel : une rétrospective d'oeuvres murales en sept pièces de 1978 à 2023 et une rétrospective de ses pièces sonores réalisées entre 1976 et 2022.

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Dans What Way Wham ? (White Noise and Other Works, 1996-2023), l'artiste Joseph Grigely explore la représentation visuelle de la parole et du son sous la forme d'installations, de sculptures, de photographies, de films et de livres.

Originaire de l'ouest du Massachusetts, Grigely est né et a grandi à East Longmeadow, où, à l'âge de dix ans, il est tombé d'une colline et est devenu complètement sourd. Il a alors entamé un voyage qu'il décrit comme " l'observation du monde avec le son éteint ", prêtant une attention particulière au langage, à la communication et aux aléas de l'interaction humaine.

Au milieu des années 1990, Grigely a exposé pour la première fois sa série permanente, Conversations With the Hearing, composée de notes écrites au cours de conversations avec des personnes qui ne connaissent pas la langue des signes. Il s'agit de conversations quotidiennes avec des membres de la famille, des amis et des étrangers. Ces notes sont au cœur de la nouvelle commande White Noise, qui consiste en deux pièces ovales qui se croisent et qui entourent le spectateur de milliers de documents de conversation manuscrits. Les pièces, qui mesurent chacune environ vingt-cinq pieds de diamètre, dans l'espace à triple hauteur de la galerie du premier étage du musée, présentent trois décennies d'échanges conversationnels. L'expression " bruit blanc " est utilisée par les audiologistes pour décrire un bruit qui occupe une large bande de fréquences aléatoires. Pour son propre White Noise, Grigely fournit un équivalent visuel de cette expérience, en immergeant les spectateurs dans l'espace entre la parole et l'écriture avec des notes allant du sol au plafond ; une pièce en nuances de blanc et l'autre dans une cacophonie de couleurs.

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Article d'Élisabeth Couturier paru le 28 février 2023 sur artpress.com

Paul-Armand Gette au pays des merveilles

Ce film sur l'artiste Paul-Armand Gette aborde le thème du corps féminin, de sa représentation dans l'art, de la question du modèle et de sa liberté. Paul-Armand Gette déjoue nos habitudes visuelles et remet en question nos jugements et nos idées préconçues. Qui mieux que ses modèles peut parler de lui, avec lui, d'eux ?

Réalisé par Sylvie Boulloud
Durée : 61 minutes
Sortie en salles le 24 mai 2023

Pierre Escot & Hubert Renard présenteront leur roman Dimensions variables sous forme de performance, le jeudi 11 mai 2023. Accueil entre 18h30 et 20h30. Performance (30 min.) à 19h.

Dimensions variables est un roman à quatre mains en équilibre entre arts visuels et littérature. Le monde de l'art contemporain est son décor, qu'il érige entre réalisme et satire. Les changements de forme à l'intérieur du récit (poèmes, journal intime, listes, dialogues et chansons) et les variations de tonalité (de la farce à la comédie dramatique) témoignent de la volonté des deux auteurs complices d'utiliser tous les ressorts du milieu parisien de l'art, qu'ils fréquentent assidûment – et jovialement! – depuis de nombreuses années, en tant que plasticiens. Les personnages s'affirment, les intrigues se tissent et le narrateur, d'une généreuse goujaterie, s'amuse à créer les rencontres dans ce milieu si inquiet de son apparence. Si l'on peut reconnaître des figures et des caractéristiques du monde globalisé de l'art, de ses manies et de ses vanités, l'ouvrage évite habilement la critique institutionnelle ou l'étude sociologique. Il préfère le jeu avec les images et les symboles. Malgré leurs égos encombrants, les personnages de ce roman contemporain, en quête désespérée de visibilité ou dans des élans de retrait de la vie publique, dans l'euphorie et la démesure, ou dans l'urgence de la disparition, cherchent tous une réponse à cette lancinante question : Qu'est-ce qu'une vie réussie ?

Texte extrait du site de l'éditeur du roman, www.artfiction.ch

Le Städtische Museen Heilbronn présentera un éventail d'explorations artistiques des matériaux textiles des années 1920 à nos jours. Les propriétés spécifiques du matériau ne donnent pas seulement lieu à un large éventail de possibilités de conception, mais permettent également d'envisager les questions fondamentales de l'art sculptural sous un angle nouveau. L'abondance des techniques traditionnelles de l'artisanat textile ouvre également diverses voies d'appropriation créative. Robert Morris est représenté par l'une de ses œuvres canoniques en feutre.

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Moviment ouvre sur une célébration des œuvres du Centre Pompidou, trésors des réserves et acquisitions nouvelles, exposées, expliquées et réactivées par une série de projections, interprétations, débats et lectures.

Point, lignes et plans
En ce premier chapitre, l'exposition fait la part belle aux abstractions géométriques.

Maurizio Nannucci

Red Line, 1969

Explorant depuis les années 1960 les rapports entre l'art et le langage, Maurizio Nannucci commence à travailler avec le néon en 1967, et réalise ses premières pièces lumineuses et scripturales.

Au bout du tracé rectiligne d'un tube de verre teinté en rouge, les lettres « red line » apparaissent, renvoyant ainsi l'œuvre à sa propre description. Tautologique et polysémique, cette ligne rouge est une manière pour l'artiste de subvertir les conventions de l'exposition tout en invitant le visiteur à s'interroger sur la nature de l'œuvre d'art.

Œuvre exposée du mercredi 3 au dimanche 6 mai
Présentation au public par l'artiste samedi 6 mai à 19h

Article de Pierre-François Moreau – Les Lettres Françaises – Avril 2023

Vidéo-projection sur bifteck

En novembre 2021, entre flux et reflux de la pandémie, et d'autres grandes manœuvres aux marches de l'Europe qui nous laissaient alors benoîtement incrédules quant au futur théâtre des opérations, nous étions assez nombreux ce soir-là à la librairie le Monte-en-l'air à être venus écouter Denis Lavant, toujours aussi intense, pour une lecture de Piotr signé Pierre Escot, le monologue intérieur d'un comédien aux prises avec l'omniprésence de son personnage, à la fois héroïque et cruel. Ainsi s'immergeait-on dans les affres de la création, tout en plaisantant sur l'itinéraire formellement oscillant de Planning, un agenda de haïkus dégénérés, et Le Carnet Lambert, du même Pierre Escot, qui circulait sous les manteaux dans des versions plus ou moins approximatives, si bien que tout devenait Carnet Lambert, même Le Carnet Lambert.

Dans cette apparente euphorie, on n'osait pas croire combien les temps qui s'annonçaient allaient être héroïques et cruels. Et tels de bons clients du « Bœuf sur le toit », on préférait tomber le masque chirurgical, boire, rire et, avec une ironie grinçante, moquer les ivresses compulsives des petits Maurice Sachs post conceptuels. C'était un autre temps.

Alors qu'aujourd'hui le printemps vient poindre, et avec lui ses futurs massacres et autres destructions massives du côté de la frontière, les éditions de Lausanne Art&Fiction spécialisées dans les récits d'artistes publient Dimensions variables de Pierre Escot, des exercices de tirs auxquels s'est associé son compère Hubert Renard. Ces « dimensions variables » ne sont pas les calibres des obus performants de chars de combat sur roues ou à chenilles. On est plus proche des Tirs de Niki de Saint Phalle, puisqu'il s'agit d'un recueil art contemporain, d'une satire vivace des beaux jours, du temps où l'on buvait encore à la régalade du champagne chez Perrotin, Templon et Thaddeus Ropac.

Mieux qu'une boule à facettes des temps du disco, ce roman des vanités a la forme d'un inventaire. Chroniques de vernissages, contentions créatrices, poésie des cartels sous œuvres, mails de réclamations et de déclarations sentimentales, billets d'absence, journal de disparition, autopsie d'un fil de fer, remise de prix, notes d'intentions, préface d'une installation, dialogues téléphoniques, dispute homérique, occurrence du réel, liste d'artistes improbables – Marie Beuys, Jean-Claude Picabia, Andy Magritte, Piet Klein, Yves Mondrian, Christine Baudelaire, Mohamed Michon, Benito Munch, Pedro Nietzsche, Raymond Calvino…

À ce bal des riches heures, on flirte, on s'agace, on s'oublie, on se force jusqu'à l'abjection à ne pas voir les réalités du monde. Samantha Cartridge aime montrer ses faux seins, Laetitia Delmas aime ne plus aimer, Jean-Jacques Aillagon a des rendez-vous, François Pinault parle de ses futurs achats, Bernard Blistène commande un Spritz, Giovanna Listo préfère exposer à l'hôpital psychiatrique, Luc vide chaque jour un objet de son appartement, Olga envoie des sms… Pendant qu'Alex regarde une vidéo en avance rapide, d'autres jouent des coudes pour arriver jusqu'au buffet. Personne ne s'attarde devant Ça va chier dans le ventilo, dimensions variables.

Au commencement, il y a des paysages et des corps, des paysages dans des corps, puis un enchevêtrement de situations comme les rêves savent en produire. L'œil divague face à des œuvres qui agissent en mirages...

Telle une mise en abîme de l'insularité de la Villa Carmignac à Porquerolles, l'exposition, sous le commissariat de Jean-Marie Gallais, explore tout un pan de l'art qui semble se détacher du réel pour offrir de vertigineuses plongées dans des mondes intérieurs.

Si l'art contemporain n'a jamais été aussi politique et en prise avec le monde, tout un pan de la création, la peinture en particulier, semble s'en détacher pour offrir de vertigineuses plongées dans des mondes intérieurs et des replis. Que signifie cet écart du réel aujourd'hui ?

Plus de 80 œuvres d'une cinquantaine d'artistes, en provenance de collections publiques, privées, de la collection Carmignac mais aussi des productions, dessinent les contours en pointillés d'une île intérieure dont chaque visiteur comblera les manques à sa façon

> Villa Carmignac, île de Porquerolles, du 29 avril au 5 novembre 2023

Conférence le 27 avril 2023 à 19h, Auditorium Michel Laclotte

Michelangelo Pistoletto, figure centrale de la création contemporaine depuis les années 1960 et la naissance du mouvement d'« Arte Povera », est également un théoricien de premier plan de l'art et de la pensée contemporaine. Il était ainsi légitime que lui soit confiée la première édition du nouveau cycle « Leçons d'artiste », contrepoint au printemps de la Chaire du Louvre, où l'artiste vient exposer au public de l'auditorium son regard contemporain sur le Louvre, ses collections, ses vies multiples, en résonance avec son parcours et les choix radicaux engagées, depuis plus de soixante années, dans sa création.

Michelangelo Pistoletto revient donc au Louvre, dix ans après son exposition, et présente en trois interventions combien le musée a changé sa perception, ouvrant des pistes pour penser et vivre au présent.

En lien avec le cycle, une oeuvre de Michelangelo Pistoletto est créée spécialement pour être présentée sous la Pyramide, à proximité de l'auditorium où ont lieu ses conférences.

C'est sous le titre générique de « définition/méthode », qu'il utilise à partir de 1978, que Claude Rutault a placé la totalité de son œuvre avec pour date charnière 1973. En mars de cette année, il peint, chez lui, une petite toile du même gris que le mur à partir de laquelle il élabore la phrase : « une toile tendue sur châssis peinte de la même couleur que le mur sur lequel elle est accrochée ». Ce principe est retenu et développé dans l'écriture de courts textes d'intention qui sont des projets d'œuvres. Ils sont d'abord appelés « constructions » puis « définitions-méthodes » et seront ensuite numérotés. Chaque définition/méthode est une proposition à réaliser, dans la plupart des cas par un acte de peinture, selon un certain nombre de paramètres concernant le rapport de la toile ou des toiles au mur, les conventions d'accrochage, l'histoire de l'art, le contexte d'exposition. Le principe s'est ensuite étendu à des considérations sur le non-peint, sur le fait de repeindre, ou encore sur le stockage de toiles en piles. Le collectionneur, privé ou public, se voit dans l'obligation de délaisser tout rapport fétichiste de l'œuvre et de choisir le lieu et la façon de la réaliser.

Extrait p. 32 et 33 de Claude Rutault L'Inventaire, Marie-Hélène Breuil, publié par le Mamco en 2015

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"A l'entrée du département des antiquités égyptiennes, le Louvre expose une oeuvre en dialogue avec les portraits de momies du Fayoum, interrogeant ainsi, selon la conception de l'histoire de la peinture que développait l'artiste, l'origine de la peinture, le « premier peintre ». Cette oeuvre de Claude Rutault intègre dans une toile, de la couleur du mur, un portrait du Fayoum qu'il avait lui-même acquis. Répondant à Rodin au Musée d'Orsay et à Marcel Duchamp au Centre Georges Pompidou, c'est la perspective unique de l'artiste qui sera ainsi révélée – une perspective suivant laquelle l'histoire de l'art, comme le portrait du Fayoum intégrée dans son oeuvre, se trouve intégrée au contemporain."

Extrait du Dossier de presse du 1er Février 2023. Commissaire : Donatien Grau.

"Dans les collections du musée d'Orsay, la Porte de l'Enfer de Rodin fascinait Claude Rutault. Dès 2008, l'artiste avait réfléchi à une oeuvre en forme de porte constituée par l'assemblage de plusieurs définitions-méthodes actualisées pour l'occasion. Ses carnets contiennent des notes et des schémas témoignant de l'évolution de cette oeuvre, sans qu'un état définitif soit jamais arrêté. Claude Rutault et Quentin Lefranc, son collaborateur depuis plusieurs années, ont réalisé une maquette qui donne forme à ce qu'il avait désigné la porte de la peinture. Cette maquette sera exposée au musée d'Orsay et dialoguera avec le chef-d'oeuvre de Rodin."

Texte extrait du site du musée. Commissaire : François Blanchetière.

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Commissaire: Michel Gauthier.

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Le Delta accueille le nouveau projet du duo d'artistes  Brognon Rollin. L'installation The Land and the Unfolded Map se déploiera au dernier étage panoramique du Delta et sera composée de deux nouvelles vidéos jamais présentées au public, réalisées par le tandem franco / belgo-luxembourgeois en Californie à l'automne 2022.

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Le curateur de l'exposition stanley brouwn est Jordan Carter, conservateur, assisté par Zuna Maza.

Cette présentation coïncide avec stanley brouwn, la première exposition solo complète de l'artiste aux États-Unis, présentée à l'Art Institute of Chicago du 8 avril au 31 juillet 2023. Elle est organisée conjointement par Jordan Carter et Ann Goldstein, directrice adjointe et présidente de l'Art Institute et conservatrice Dittmer de l'art moderne et contemporain.

stanley brouwn est co-curatée par Ann Goldstein, directrice adjointe et présidente et conservatrice Dittmer, art moderne et contemporain, et Jordan Carter, conservateur à la Dia Art Foundation et ancien conservateur associé de l'Art Institute, art moderne et contemporain.

L'exposition sera également présentée au Hammer Museum, Los Angeles, et au Stedelijk Museum Amsterdam. Les dates restent à déterminer.

La présentation de l'Art Institute coïncide avec une autre exposition consacrée à stanley brouwn, également organisée par Jordan Carter, à la Dia Beacon.

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Dans une première historique, le Vorderasiatisches Museum (musée du Proche-Orient ancien) et la Hamburger Bahnhof - Nationalgalerie der Gegenwart (galerie nationale d'art contemporain) unissent leurs forces pour une présentation transhistorique et in situ de l'artiste britannique Liam Gillick dans les salles du Pergamon Museum. De l'emblématique porte d'Ishtar à Babylone aux sculptures monumentales de Tell Halaf, Gillick ajoute des couches de son, de lumière et de couleur, créant ainsi une superposition qui évoque les liens entre les différentes périodes du Pergamon Museum.

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Des œuvres de Carl Andre, Claude Closky, Peter Downsbrough et Elsa Werth seront presentées à l'exposition Trois collectionneurs #10 chez Été 78 à Bruxelles du 2 avril au 27 mai 2023 ! 

Vernissage: samedi 1er avril de 16h à 20h.

Exposition du 2 avril au 27 mai.

Ouvert tous les samedis de 14h à 18h et le samedi 22/4 de 9h30 à 17h (Art Brussels).

Cette exposition est organisée avec Valentine Himpens et est dédiée à Herman Daled qui a participé à la première édition.

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Du 2 avril au 26 novembre 2023, la Punta della Dogana présente l'exposition thématique Icônes qui s'articule autour d'œuvres provenant de la Pinault Collection parmi lesquelles on retrouve On Kawara et Philippe Parreno.

Le mot « Icône » connaît deux acceptions : son étymologie grecque la définit comme une « image », ou « ressemblance », tandis que son usage la désigne comme peinture religieuse. Plus contemporaine est l'idée d'un modèle, d'une figure emblématique. Le statut de l'image – sa capacité à incarner une présence, entre apparition et disparition, ombre et lumière, à figurer un espace, à générer une émotion et faire corps avec les spectateurs – est au coeur de cette exposition conçue spécifiquement pour la Punta della Dogana et le contexte vénitien, si riche d'un dialogue ininterrompu entre l'Orient et l'Occident.

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Cinquante œuvres et quatre grandes installations spécifiques.

Plus de 60 ans d'art, presque 90 ans de vie.

Un parcours narratif, selon l'approche des projets dont le commissaire est Danilo Eccher et qui sont produits par DART - Chiostro del Bramante, complet et fascinant. Il ne s'agit certainement pas d'une exposition traditionnelle, mais d'un récit, d'une expérience qui, à travers les œuvres emblématiques de Michelangelo Pistoletto (Biella, 1933) - des plus anciennes aux plus récentes, de 1962 à 2023 - accompagne un voyage passionnant à l'intérieur de la poétique et du monde, des nombreux mondes, de l'un des maîtres de l'art contemporain.

Une infinité de façons de faire de l'art, une infinité de façons de voir, de changer de perspective, de lire la réalité. Au centre, un seul artiste, mais dans ses nombreuses possibilités d'être, de se transformer, de se dépeindre et de se représenter, de raconter. "Une exposition collective d'un seul artiste", selon les termes du commissaire, parce que "dans la diversité, je me suis multiplié", comme le déclare l'artiste. C'est pourquoi, au Chiostro del Bramante, Michelangelo Pistoletto est l'INFINITÉ : parce que l'art est sans limites.

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Michael Snow, Wavelength, 1967, 16 mm, couleur, sonore, 45 min

Projection le 1er mars 2023 de 19h à 21h, Cinéma 2, niveau –1

Tourné en décembre 1966 dans le loft de Michael Snow à New York, Wavelength est l'un des films dits « expérimentaux » les plus commentés de tous les temps. Durant 45 minutes, un zoom en avant parcourt la pièce, en suivant l'axe central de la scène pour s'approcher d'une photographie de quelques vagues en noir et blanc. Pendant ce mouvement, à première vue continu, une série d'actions ou d'accidents se suivent. Surtout, un son sinusoïdal en crescendo, d'abord à peine perceptible, devient quasiment assourdissant lorsqu'on approche de la conclusion.

La littérature critique a fait de Wavelength l'œuvre la plus emblématique de la réduction du film à un seul mouvement de caméra – le zoom, précisément.

L'exposition des Guerrilla Girls, The Art of Behaving Badly, retrace l'histoire de leur organisation à travers leurs interventions et leurs Public Service Announcements (PSAs) de 1985 à 2015.

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La renommée de Philippe Parreno repose sur son art multiforme englobant un large éventail de supports, dont le cinéma, la sculpture, le dessin et la représentation. Cette démarche multidisciplinaire aboutit à des œuvres inattendues, qui interrogent les frontières entre réalité et fiction, gommant souvent la distinction entre les deux. L'artiste invite le spectateur à réévaluer fondamentalement la nature de la réalité, de la mémoire et du temps qui passe. Il imagine des univers dans lesquels l'esthétique des échanges sociaux et des situations prennent le pas sur la création d'objets d'art.

À partir des années 2000, apparaissent dans ses films fantômes, ventriloques et automates, des figures posant la question de l'origine du récit, tout en interrogeant le passage du temps et en brouillant la distinction entre réalité et fiction. Ces thèmes fondamentaux se retrouvent dans ses œuvres ultérieures, dont le film Marilyn (2012), qui recrée la vie de Marilyn Monroe dans une séance fantasmagorique. Pour l'artiste, l'exposition est une œuvre totale qui offre une série de possibilités interdépendantes et continues.

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En écho à l'exposition dédiée à Christian Marclay, le Centre Pompidou donne carte blanche à l'artiste américano-suisse pour un concert conçu à partir de ses œuvres visuelles et musicales.

Ephemera, 2009, interprété par Jacques Demierre
To Be Continued, 2016 et Screen Play, 2005, interprétés par Noël Akchoté, Julien Eil, John Butcher, Luc Mueller, Noelle Reymond / l'ensemBle baBel
No!, 2020, interprété par Elaine Mitchener
Manga Scroll, 2010, interprété par Alex ABH Hackett

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Une exposition en partenariat avec l'ADIAF (Association pour la diffusion internationale de l'art français)

Avec les œuvres de : Add Fuel, Saâdane Afif, Jean-Michel Alberola, Giulia Andreani, Kader Attia, Marcos Avila Forero, Esmaël Bahrani, Bertille Bak, Éric Baudelaire, Mélanie Berger, Bianca Bondi, Étienne Bossut, Emmanuelle Bousquet, Aline Bouvy, Szabolcs Bozó, David Brognon Et Stéphanie Rollin, Cornel Brudascu, Io Burgard, Damien Cabanes, Miriam Cahn, Michael Ray Charles, Julian Charrière, Grégory Chatonsky, Vajiko Chachkhiani, Delphine Ciavaldini, Claude Closky, Isabelle Cornaro, Jesse Darling, Edith Dekyndt, Hélène Delprat, Nolan Oswald Dennis, Hugo Deverchère, David Douard, Nicolas Dhervillers, Mathilde Denize, Nathalie Djurberg Et Hans Berg, Marlene Dumas, Kenny Dunkan, Hoël Duret, Mimosa Echard, Hans-Peter Feldmann, Esther Ferrer, Gabriel Folli, Bruno Gadenne, Daiga Grantina, Guerilla Girls, Terencio González, Ilona Granet, Juliette Green, Myriam Haddad, Tirdad Hashemi, Paul Heintz, Damien Hirst, My-Lan Hoang-Thuy, Danielle Jacqui, Oda Jaune, Sophie Kitching, Kapwani Kiwanga, Sergey Kononov, Anna Kutera, Lucie Laflorentie, Luc Lapraye, Hanne Lippard, Jonas Lund, Madsaki, Paul Maheke, Benoît Maire, François Mangeol, Teresa Margolles, Randa Maroufi, Rayane Mcirdi, Anita Molinero, Franck Noto, Prune Nourry, Josèfa Ntjam, Estefanía Peñafiel Loaiza, Françoise Pétrovitch, Gloria Petyarre, Grayson Perry, Walter Pfeiffer, Amalia Pica, Benoît Pieron, Joanna Piotrowska, Robin Plus, Julien Primard, Hervé Priou, Enrique Ramirez, Emmanuel Régent, Caroline Reveillaud, Lili Reynaud-Dewar, Carole Rivalin, Mathilde Rosier, Karine Rougier, Elsa Sahal, Ludovic Sauvage, Marta Spagnoli, Pierre Seinturier, Massinissa Selmani, Cindy Sherman, Shimabuku, Kelly Sinnapah Mary, Saule Suleimenova, Claire Tabouret, Ida Tursic & Wilfried Mille, Pierre Vermeulen, Christophe Viart, Oriol Vilanova, Danh Vo, Lois Weinberger, Duncan Wylie, Tim Zdey

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Talk par Saâdane Afif
Le 26.01.2023 à 15h30

Exposition : The Music Chamber
Palexo, artgenève stand A32, Genève, Suisse
Directeur artistique: Augustin Maurs
Co-curator: Catherine Othenin-Girard

Concert : Dwarf Lift Dwarf sings Pirates' Who's Who
au Motel Campo, Genève le 27.01.2023, 22h
Motel Campo, Rte des Jeunes 13, 1227 Carouge, Genève, Suisse
Présenté par artgenève/musique & Biennale Son Valais

Plus dinformations

Du 15 décembre 2022 au 30 avril 2023, le FRAC Champagne-Ardenne accueille The Bonimenteur  qui, à travers les œuvres de trois artistes et collectifs, dresse le portrait de ce curieux personnage. Sous les traits d'une installation monumentale et lumineuse des designers GRAU, d'un ensemble de peintures et dessins de l'artiste Bernhard Martin et d'une composition graphique et interactive du collectif de graphistes Neue Gestaltung,The Bonimenteur prend forme au FRAC et invite le public à sa rencontre.

Directeur artistique : Saâdane Afif

Curateur : Yasmina d'O

Avec : GRAU, Bernard Martin, Neue Gestaltung

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Le 12 décembre à partir de 19 h

À l'occasion de la présentation de la publication The Heptahedron, une conversation retrace l'odyssée qui a mené aux expositions présentées à la triennale Bergen Assembly de septembre à novembre 2022.
Avec Marcella Lista, Thomas Clerc, Saâdane Afif et "Yasmine et les sept faces de l'Heptaédre".
 
Cette conversation sera suivie par la dégustation du cocktail "Yasmine", nouvelle création du célèbre établissement Cravan (Paris) qui inaugure une collaboration théâtrale entre le mixologue Franck Audoux et la commissaire d'exposition Yasmine d'O.

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Avec les œuvres de : Stanislas Amand, Babi Badalov, John Baldessari, Bruno Bottela, Anne Bourse, David Burrows, Michel Canteloup, Monster Chetwynd, Claude Closky, Delphine Coindet, Tony Cragg, Jason Dodge, Michel Huelin, François Lancien-Guilberteau, Laurent Lacotte et Pablo Cavero, Seulgi Lee, Jonathan Monk, Maurizio Nannucci, Camila Oliveira Fairclough et Lucy Skaer.

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Samuel Bianchini sera exposé dans le cadre de l'exposition Playmode au Centro Cultural Banco do Brasil. 

Playmode vise à ouvrir un débat sur l'importance de la culture ludique dans la société du XXIe siècle. L'exposition Playmode invite les visiteurs à une participation active, qui les met face à des expériences ludiques, sensorielles et conceptuelles.

Curateurs : Filipe Pais et Patrícia Gouveia

Avec : Aram Bartholl, Auriea Harvey & Michaël Samyn , Bill Viola, Brad Downey, Brent Watanabe, David OReilly, Filipe Vilas-Boas, Guilherme Meneses, Bobware & Beta Xina Bena, Harun Bena, Harun Farocki, Isamu Noguchi, Jaime Lauriano, Joseph DeLappe, Laura Lima & Marcius Galan, Lucas Pope , Mary Flanagan, !Mediengruppe Bionik, Miltos Manetas, Molleindustria, Nelson Leirner, Pippin Barr, The Pixel Hunt, Priscila Fernandes, Ricardo Barreto & Raquel Fukuda, Shimabuku

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Warhol, People and Things est une exposition consacrée à Andy Warhol et à son influence sur plusieurs générations de photographes, cinéastes, musiciens et artistes multimédias.

L'installation préparée pour la Casa São Roque se compose de diaporamas couvrant la période 2019-2022 capturés dans plusieurs villes, notamment New York, Berlin, Palma, Paris, Copenhague, Susch et Łódź. En hommage à Warhol, Miller a titré sa première publication de cette série d'après une citation de The Andy Warhol Diaries : "C'était une belle journée, dans les années 70. Je regardais les gens sur des bâtons de pogo dans le parc".

Curaté par Alaina Claire Feldman et Barabara Piwowarska

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L'exposition Street Life au Wilhelm-Hack-Museum emmène les visiteurs dans un voyage à travers les rues de la modernité classique jusqu'à nos jours. Lieu de représentation, de mise en scène de soi et de communication, mais aussi de résistance ou de protestation, la rue constitue un lien vital entre différents domaines de la vie, groupes sociaux et intérêts. Appliquée à travers les médias et les époques, l'exposition présente différentes appropriations artistiques de ce lieu dynamique.



Commissariat : Astrid Ihle

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Avec : Chantal Akerman, Véronique Aubouy, Jérémie Bennequin, Nicolas Boulard, Elina Brotherus, Christophe Fiat, Robert Filliou, Bernard Heidsieck, On Kawara, Bruno Perramant, Allen Ruppersberg.

Commissariat : Léa Bismuth

Ludovic Chemarin© présentera un triptyque 120×80cm en lithographie durant cette exposition à l'Atelier Michael Woolworth.

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Cette exposition rassemble 27 artistes internationaux et présente des « peintures de mots et des tableaux qui parlent ». Cette pratique d'utilisation de lettres, mots, phrases ou encore ponctuation comme vocabulaire plastique s'est développée au 20ème siècle et perdure aujourd'hui dans le travail de nombreux artistes, de générations différentes et à travers l'ensemble des médiums.

Commissariat : Sylvie Fanchon et Camila Oliveira Fairclough

Avec : Karina BISCH, Nicolas CHARDON, Eléonore FALSE, Sylvie FANCHON, Claude CLOSKY, Christian ROBERT-TISSOT, Anne-Lise COSTE, Martine ABALLEA, Joshua ABELOW, Gene BEERY, Jean-Luc BLANC, Corentin CANESSON, Jessica DIAMOND, Pierre DI SCIULLO, Chloé DUGIT-GROS, Chad ETTING, Marie GLAIZE, Joseph KOSUTH, Muriel LERAY, Jonathan MARTIN, Raffaella DELLA OLGA, Camila OLIVEIRA FAIRCLOUGH, Walter SWENNEN, Julio VILLANI, Elsa WERTH, Virginie YASSEF, Remy ZAUGG

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Cette exposition à l'espace d'art actuel le Radar à Bayeux, vise à faire du visiteur un héro en le rendant conservateur de la future maison-musée de l'écrivain Michel Houellebecq, telle qu'elle sera donnée à voir au public dans 150 ans.

Cette exposition s'inscrit dans le cadre du programme SUITE initié par le Centre national des arts plastiques (Cnap) en partenariat avec l'ADAGP.

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Retrouvez l'interview de Suzy Lake réalisée par le Centre Culturel Canadien et diffusé sur leur chaîne youtube et compte facebook le 9 novembre.

Photographe, vidéaste, performeuse, artiste phare de l'avant-garde féministe des années 1970, Suzy Lake interroge les codes de représentation du genre à travers une pratique à la fois performative et théâtrale de l'autoportrait.

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Jusqu'au 28 janvier 2023, le Centre Photographique Marseille propose « Learning from Los Angeles », une exposition coproduite avec l'École nationale supérieure de la photographie d'Arles à l'occasion des 40 ans de cette dernière. Elle rassemble des travaux de Nicolas Giraud, François Bellabas, Olivier Cablat et Marina Gadonneix réalisés autour de Los Angeles autour de problématiques :

« Comment Los Angeles se donne à voir comme modèle générique de la société contemporaine ? Et comment les formes de la ville et ce qui s'y construit servent de prototypes à l'organisation du monde post-industriel ? »

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Lorsque les expositions passées prennent vie sous forme numérique, le passé devient une expérience virtuelle. Ce à quoi peut ressembler concrètement cette expérience inédite est montré par l'exposition »Matter. Non-Matter. Anti-Matter«.

Dans le cadre du projet "Beyond Matter. Cultural Heritage on the Verge of Virtual Reality", le ZKM | Karlsruhe et le Centre Pompidou, Paris, utilisent les études de cas "Les Immatériaux" (Centre Pompidou, 1985) et "Iconoclash" (ZKM | Karlsruhe, 2002) pour étudier la possibilité de faire revivre des expositions grâce à des méthodes expérientielles de modélisation numérique et spatiale.

Curator : Livia Nolasco-Rozsas

Curatorial team : Felix Künerstein, Moritz Konrad,  Marcella Lista (Centre Pompidou, Paris)
Philippe Bettinelli (Centre Pompidou, Paris)
Julie Champion (Centre Pompidou, Paris)

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Les artistes Brognon Rollin sont nommés pour l'édition 2022 du Prix Sam 2022 avec Victoire Inchauspé (Japon), Marilou Poncin (Japon/Venezuela), Assaf Shoshan (Mexique/Afrique du Sud), Nefeli Papadimouli (Polynésie française), Marie Voignier (Cameroun), Julian Charrière (Indonésie), Brodbeck & de Barbuat (Equateur/Pérou).

Annonce du résultat le 7 décembre.

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Le Chateau Royal, hôtel berlinois, se trouve au coeur du tissu social de la capitale en fusionnant la gastronomie et l'art.

Le Château Royal, fort des liens d'amitié qu'il entretient avec les artistes, présente des œuvres d'art existantes ou commandées, disséminées dans ses locaux. Plus de 100 œuvres d'art habitent les chambres de l'hôtel et, dans certains cas, le restaurant, le bar, les couloirs, les escaliers ou la façade. Discrètes ou bruyantes, ces œuvres et ces artistes incarnent l'esprit d'un réseau social étroitement lié à Berlin ainsi qu'à la famille du Château Royal.

Dans le cadre d'une grande présentation de la collection d'art Mercedes-Benz, les "Highlights" de la collection, soit environ 150 œuvres de 1910 à nos jours, seront exposés à Stuttgart au Musée Mercedes-Benz jusqu'au 11 juin. Le spectre de cette exposition va des classiques de l'Allemagne du Sud-Ouest, Adolf Hölzel, Willi Baumeister et Oskar Schlemmer, aux jeunes artistes internationaux tels que Saâdane Afif, Cao Fei, Clément Cogitore et Alia Farid.

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Sous le nom d'Horizones, le 23e Prix Fondation Pernod Ricard réunit 6 + 1 artistes invité·e·s par le commissaire d'exposition et critique d'art Clément Dirié. Cette année, Elsa Werth remporte le prix en présentant des oeuvres furtives aux questions lancinantes sur l'état socio-économique de notre société.

Dans une scénographie ouverte, l'exposition fait la part belle à l'univers de chaque artiste sans volonté de thématiser ni de réunir artificiellement leurs pratiques. Chacun·e expose un ensemble emblématique de ses recherches en cours, témoignant de la diversité de la création contemporaine actuelle.

Exposition jusqu'au 29 octobre

Avec : Hélène Bertin, Timothée Calame, Fabiana Ex-Souza, Eva Nielsen, Benoît Piéron, Jean-Michel Sanejouand

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Thèse présentée et soutenue à Rennes 2

le 21 octobre 2022 à 14h

Salle des Thèses

Bâtiment de la Présidence, 7ème étage

Durant dix ans, les artistes Nicolas Giraud et Bertrand Stofleth ont arpenté un territoire modeste mais exemplaire, une succession de vallées qui relient la Loire au Rhône et qui furent l'un des berceaux de la révolution industrielle. La Vallée est le résultat de ce vaste projet de captation photographique où les images opèrent comme des coupes temporelles. Leurs cadres rassemblent des objets éloignés dans le temps pour les réunir dans l'image. La Vallée se déploie ainsi comme une mise en tension des éléments qui forment le paysage et témoignent de son histoire.

Avec : Elsa Werth, Bianca Bondi, Mégane Brauer, Neïla Czermarkichti, Tirdad Hashemi et Soufia Erfanian, Randa Maroufi, Myriam Mihindou, Sara Sadik, Liv Schulman

Une exposition de Jennifer Flay

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Expostion collective avec : Ludovic Chemarin©, Annette Messager, Laurent Montaron, Françoise Petrovitch, Caroline Mesquita, Bruno Peinado, Simone Simon, Sammy Engramer, Christine Safa et Madeleine Roger Lacan, Florence Obrecht, Axel Pahlavi (...)

Commissariat : Mathieu Mercier

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Avec : Brognon Rollin parrain et marraine de l'exposition - Andrés Baron - Jérémie Danon - François Dufeil et Charles Dubois - Joël Harder - Atelier collectif Le Houloc - Gabriel Moraes Aquino et Joana Zimmermann - Nefeli Papadimouli - Boryana Petkova et Iskra Blagoeva - Natalia Villanueva Linares - Maha Yammine

Pour la première fois, le Jeu de Paume et LE BAL présentent une exposition thématique commune autour de l'utilisation des médias – photographie, film, vidéo – par les artistes italiens des années 1960 et du début des années 1970. Centrée autour du groupe de l'arte povera, elle s'ouvrira à divers compagnons de route du mouvement et au-delà, pour étudier la position des avant-gardes italiennes face à la photographie et à l'image en mouvement.

Avec Michelangelo Pistoletto and Claudio Abate, Carlo Alfano, Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Elisabetta Catalano, Mario Cresci, Gino De Dominicis, Plinio De Martiis, Luciano Fabro, Giosetta Fioroni, Luigi Ghirri, Luciano Giaccari, Paolo Gioli, Laura Grisi, Marcello Grottesi, Franco Guerzoni, Paolo Icaro, Mimmo Jodice, Jannis Kounellis, Ketty La Rocca, Piero Manzoni, Plinio Martelli, Antonio Masotti, Paolo Matteucci, Eliseo Mattiacci, Fabio Mauri, Mario Merz, Marisa Merz, Ugo Mulas, Paolo Mussat Sartor, Hidetoshi Nagasawa, Ugo Nespolo, Luigi Ontani, Giulio Paolini, Claudio Parmiggiani, Pino Pascali, Luca Patella, Giuseppe Penone, Gianni Pettena, Vettor Pisani, Emilio Prini, Salvo (Salvatore Mangione), Gerry Schum, Cesare Tacchi, Franco Vaccari, Michele Zaza, Gilberto Zorio.

Visuel : Giuseppe Penone

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Ridiculously Yours! flirte avec l'humour de la catastrophe, le mauvais goût, la culture des films de série B, la science-fiction et l'horreur, mais aussi avec l'immaturité, l'idiotie, l'intuition et, bien sûr, la passion - sans oublier l'enthousiasme.
Un parc d'attractions d'une maladresse enthousiaste avec des œuvres de nombreux artistes : de Pieter Bruegel l'Ancien à Alfred Jarry et James Ensor, Marcel Duchamp et Francis Picabia, George Grosz et René Magritte, Giorgio de Chirico et Sturtevant, Sigmar Polke et Martin Kippenberger, jusqu'à de nombreuses positions contemporaines de l'art contemporain comme Saâdane Afif, Paul McCarthy, Nicole Eisenman, Fischli & Weiss, Isa Genzken, Pauline Curnier-Jardin, Kiluanji Kia Henda ou Ming Wong.

Ce projet d'exposition a été initié et conçu par Jörg Heiser et Cristina Ricupero.

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Avec : Benny Nemer, Anne-Charlotte Finel, Julie C. Fortier, Paul Kindersley et Emmanuelle Villard

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Pour la première fois, le Kunstmuseum Liechtenstein et la Hilti Art Foundation présentent une exposition intégrée, conçue conjointement.

L'accent est mis sur les photographies de Candida Höfer, qu'elle a créées spécialement pour cette exposition. Ses photographies sont juxtaposées dans un dialogue avec des œuvres d'art sélectionnées dans les deux collections notamment celles de Sâadane Afif.

Avec : Saâdane Afif, Josef Albers, Polly Apfelbaum, Joseph Beuys, Umberto Boccioni, Bill Bollinger, Nina Canell, Andreas Christen, Gianni Colombo, Edith Dekyndt, Latifa Echakhch, Luciano Fabro, Helmut Federle, Dan Flavin, Lucio Fontana, Günter Fruhtrunk, Gerhard von Graevenitz, Gotthard Graubner, Donald Judd, Kerstin Kartscher, Konrad Klapheck, Julije Knifer, Imi Knoebel, Anna Kołodziejska, Gary Kuehn, Fernand Léger, Barry Le Va, Verena Loewensberg, René Magritte, Kazimir Malevich, Rita McBride, Piet Mondrian, François Morellet, Charlotte Moth, Bruce Nauman, Giulio Paolini, Steven Parrino, Dan Peterman, Emilio Prini, Pamela Rosenkranz, Fred Sandback, Keith Sonnier, Yves Tanguy, André Thomkins, Rosemarie Trockel, Gilberto Zorio.

Curaté par : Christiane Meyer-Stoll, Letizia Ragaglia and Uwe Wieczorek.

Une production du Kunstmuseum Liechtenstein et de la Hilti Art Foundation.

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An Uncertain Pleasure est une exposition axée sur le multimédia. Le titre de l'exposition est tiré de l'œuvre éponyme de Zhang Peili, pionnier de l'art vidéo en Chine, et rend hommage aux perspectives globales, culturelles et géographiquement multiformes abordées dans la collection, qui est unique par son hétérogénéité.

L'exposition est divisée en 4 divisions thématiques, mettant en lumière certains des concepts qui se manifestent de manière transversale dans la collection : questions sociopolitiques, politiques identitaires, représentation et fragmentation du corps, performativité et performance, mondialisation et diaspora. Le titre de l'exposition est tiré de l'œuvre éponyme de Zhang Peili, pionnier de l'art vidéo en Chine, et rend hommage aux perspectives globales, culturelles et géographiquement multiformes abordées dans la collection, qui est unique par son hétérogénéité.

Curaté par Eugenio Viola

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Avec : Robert Barry

Commissariat : Mathieu Copeland et Circuit

9, av. de Montchoisi
CH – 1001 Lausanne

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En 2011, deux artistes, Damien Beguet et P. Nicolas Ledoux décident de réactiver l'œuvre du plasticien Ludovic Chemarin qui a cessé son activité quelques années auparavant. Ils lui achètent son nom et les droits patrimoniaux de ses créations passées, puis son image, sa signature…

Sous la forme d'un journal, cette biographie relate sur dix ans plus de 100 jours marquants du projet. De façon précise et distanciée elle documente le travail au quotidien d'une œuvre en cours d'élaboration. Entre anecdotes et séances de travail, rencontres, vernissages, voyages, ce livre est à la fois le cœur du projet Ludovic Chemarin© mais aussi une observation rare et précieuse sur les mécanismes de la création contemporaines, ses usages comme ses protocoles sociaux, culturels et artistiques.

Textes de Nathalie Leleu avec Damien Beguet, P. Nicolas Ledoux

Jusqu'au 28 janvier 2023, L'arc – scène nationale Le Creusot et le Fonds Régional d'Art Contemporain de Besançon présentent une exposition composée d'œuvres du FRAC qui mettent en exergue les notions de durée, d'éphémère, de mouvement et de vivant. Tout ce qui met en évidence les croisements entre les arts, dits plastiques et vivants.

Commissariat : Sylvie Zavatta

Avec les oeuvres : Saâdane Afif, Marina Abramović, Eric Baudelaire, Neal Beggs, Jean-Christophe Norman, Laurent Tixador, Ulla von Brandeburg, Alex Cecchetti, Compagnie Labkine (Lise Daynac et Valeria Giuga), Manon de BOer, Cyprien Gaillard, Mario García Torres, John Giorno, Július Koller, Micha Laury, Régis Perray, Matthieu Saladin, Shimabuku, Roman Signer et The Play. 

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crédit image : © The Play, Wind : Wandering in the Wind, Sarobetsu, Hokkaido, 1976. Collection Frac Franche-Comté © The Play.

Disposer d'un texte critique est une étape primordiale dans la carrière d'un artiste. La critique le confronte à un regard extérieur, l'inscrit dans l'histoire de l'art, et confère à son œuvre une dimension littéraire. C'est pourquoi l'ADAGP a créé la Bourse Ekphrasis en 2020 avec l'AICA France et Le Quotidien de l'Art qui met en relation 10 artistes et critiques d'art. Chaque édition est composée de 10 dotations, d'un montant de 2 000 € chacune, qui financent la rédaction, la traduction et la publication du texte critique dans Le Quotidien de l'Art. Dans un premier temps, 10 artistes ont été sélectionnés par le jury de la bourse. Un appel à projet a ensuite été lancé auprès des critiques de l'AICA France afin que ces derniers proposent leur plume aux artistes lauréats.

Les 10 duos artistes/critiques 2022 sont :

Laurent PERNOT/ Aurélie BARNIER 
Isabelle FERREIRA / Fabienne BIDEAUD 
Jeanne SUSPLUGAS / Patricia BRIGNONE
Simon RIPOLL-HURIER / Aude DE BOURBON PARME
Laure TIBERGHIEN / Nathalie DELBARD
Chloé DUGIT-GROS / Florian GAITE
Alix DELMAS / Véronique GODE
Groupe Untel / Line HERBERT ARNAUD
Awena COZANNET / Pauline LISOWSKI 
Amélie BERRODIER / Vanessa MORISSET

De la rencontre de ces duos vont naitre des textes critiques qui seront publiés dans Le Quotidien de l'Art à travers une rubrique mensuelle tout au long de l'année 2023.

En partenariat avec la Brasserie Demory-Paris, MAD invite l'artiste Elsa Werth à créer une bière MAD en collaboration avec le brasseur Frank Trosset.

En édition limitée, vous pourrez la déguster pendant MAD7.
Lancement vendredi 9 septembre à 21h chez Coutume Café à la Fondation FIMINCO.

Commissariat : Yasmine d'O.


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Commissariat : Clément Dirié

Artistes : Hélène Bertin, Timothée Calame, Fabiana Ex-Souza, Eva Nielsen, Benoît Piéron, Jean-Michel Sanejouand, Elsa Werth

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Commissariat : Roland Wäspe

Avec : John Baldessari, Alighiero Boetti, Jenny Holtzer, Jean-Michel Basquiat, Mel Bochner, Robert Lazzarini, and On Kawara.

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Avec la participation de : Alighiero Boetti, Brognon Rollin, Valentin Carron, Alicja Kwade, David Lamelas, Miriam Laura Leonardi, Philippe Mayaux, Jonathan Monk, François Morellet, Gianni Motti

Commissariat : MAH

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PHOTOGRAPHIES ET PERFORMANCES DES ANNÉES 1970 DE LA COLLECTION VERBUND, VIENNE

Les Rencontres d'Arles présentent pour la première fois en France l'exposition Une avant-garde féministe des années 1970, qui réunit plus de deux cents œuvres de soixante-et-onze femmes artistes de la collection Verbund à Vienne, constituée pendant dix-huit ans sur les années 1970, d'un point de vue européen. À travers cinq thématiques, l'exposition présente les travaux des premières artistes qui proposèrent une nouvelle « image de la femme », dénonçant le sexisme, les inégalités sociales et les structures du pouvoir patriarcal. S'il est ici question d'« une » avant-garde, c'est pour faire référence à la diversité des mouvements féministes, pensés selon une approche intersectionnelle, tenant compte des différents types de discriminations dont de nombreuses artistes ont été et sont encore la cible, en raison de leur race, de leur classe ou de leur genre.

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Prochaine rencontre à la galerie :

Samedi 2 juillet de 15h à 17h
Annabelle Constant, responsable du Service culturel et pédagogique - MAM / Musée d'art moderne de Paris
Jean-Baptiste Farkas, artiste

Annabelle Constant et Jean-Baptiste Farkas présenteront les visées de la plate-forme PRACTICES IN REMOVE qui étudie et pratique la notion de moins dans toutes sortes de contextes et de répertoires.


Rencontres précédentes :

Vendredi 6 mai de 17h à 19h
Stéphanie Airaud, conservatrice du patrimoine
Sandra Cattini, responsable de la collection arts décoratifs, design et métiers d'art, Centre national des arts plastiques (Cnap)
Jean-Baptiste Farkas, artiste

Vendredi 24 juin de 17h à 19h
Jean-Baptiste Farkas, artiste

Laurence Corbel, enseignante chercheuse, Université Rennes 2

Camille Paulhan, critique d'art

Le Festival Jogging 2022 offre un regard décalé et innovant sur les croisements entre sports et arts, entre installations, expériences participatives et exposition photographique.

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Commissaire Alexandre Bohn
(Collection du FRAC Poitou-Charentes)

Avec : Lawrence Abu Hamdan, Saâdane Afif, Ouassila Arras, Alex Ayed, Sophie Barber, Orian Barki et Meriem Bennani, Étienne Chambaud, Gaëlle Choisne, Rabiya Choudhry, Julien Creuzet, Freya Dooley, David Douard, Charlotte Dualé, Nathanaëlle Herbelin, Florence Jung, LOW PROFILE, Randa Maroufi, Juliette Mock, Nicolas Momeim, Joanna Piotrowska, Sara Sadik, Rosalie Schweiker, Agnès Thurnauer, Julia Wachtel



Commissaire de l'exposition : Marie Griffay, directrice du FRAC Champagne-Ardenne

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Avec : Adad Hannah, Dayna Danger, Suzy Lake, Thaddeus Holownia, Sandra Semchuck and Jerry DesVoignes, Althea Thauberger et Fred Rosenberg

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ENTRE DEUX PORTES
64 rue de Namur - 1000 Bruxelles

Exposition visible du 18.02.22 au 02.04.22 du mardi au samedi de 11:00 à 18:00.
Avec le soutien d'Uptown Design

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Commissariat : Hercules Papaioannou

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« Coût de dette, balayette! » est un néologisme, une association de mot empruntée à la finance et à la banlieue. Une rencontre du 3e type le temps d'une exposition. Expression utilisée pour dire que l'on se débarrasse de quelque chose ou de quelqu'un d'indésirable de façon expéditive, et à la fois, terme employé pour nommer le taux de rentabilité exigé par les créanciers d'une entreprise pour refinancer son passif.

À l'heure du changement climatique et des enjeux environnementaux, Nøne Futbol Club s'intéressera aux liens qui unissent l'homme aux vivants. Plutôt que de perpétuer la conception anthropocentriste du monde, il proposera sa vision d'artiste qui interroge la hiérarchie entre les hommes et la nature, entre les hommes eux-mêmes et les révoltes qu'elles engendrent. L'exposition présentera des utopies sculpturales liées à la nature, y faisant écho et jouant du mimétisme. La matière, comme point de départ et comme sujet principal.

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Paris Gallery Weekend revient dans deux semaines ! Pendant quatre jours festifs, 106 galeries parisiennes d'art moderne et contemporain recevront chaleureusement les visiteurs pour découvrir leurs expositions et rencontrer les différents acteurs du monde de l'art.

Ouverture exceptionnelle de la galerie de 11h à 19h du jeudi 19 au samedi 21 mai
Ouverture exceptionnelle de la galerie le dimanche 22 mai de 14h à 18h

Découvrez dès à présent la programmation complète, l'agenda et les parcours du weekend sur : www.parisgalleryweekend.com

Figure incontournable de la scène artistique internationale, Annette Messager investit le LaM pour l'une des plus importantes expositions depuis sa rétrospective au Musée national d'art moderne - Centre Pompidou, en 2007.
 Pour ce nouveau rendez-vous, organisé dans le cadre d'Utopia, la nouvelle édition de lille3000, l'artiste a choisi de présenter des œuvres inédites – dessins et installations – où elle propose une utopie : tromper et narguer la réalité grâce à la magie de la fiction.

Exposition collective

Commissaire : Camille Morineau

Commissaire associée : Camille Anderson

Avec les oeuvres de :

Gianfranco Baruchello, George Brecht, Jean-Marc Bustamante, Michael Buthe, Vlassis Caniaris, Franck Chalendard, Erik Dietman, Helmut Dorner, Elger Esser, Robert Filliou, Günther Förg, Hreinn Friðfinnsson, Pia Fries, Bernard Frize, Jochen Gerz, Rodney Graham, Olaf Holzapfel, Callum Innes, Harald Klingelhöller, Annette Messager, Wilhelm Mundt, Tom Phillips, Pascal Pinaud, Éric Poitevin, Denis Pondruel, Dieter Roth, Thomas Ruff, Anne-Marie Schneider, Thomas Schütte, David Shrigley, Thomas Struth, Hiroshi Sugimoto, Mitja Tušek, Françoise Vergier, James Welling

Dans une zone artistique dystopique, cette exposition sous forme de diorama à échelle humaine, une sorte de village post-apocalyptique conçu à partir d'œuvres et d'installations artistiques. Une immersion dans un imaginaire habitable, à la fois stimulant et malicieux: une zone de partage plutôt que de démonstration didactique, un voyage temporel et fictionnel, en lieu et place d'un futur possible mais non souhaitable. Pour ce faire il s'associe à des artistes, architectes et artisans pour concevoir et construire cette zone artistique dystopique. Cabanes, outils, objets étranges et poétiques occuperont l'espace, plongeront les visiteurs dans une reconstitution archéologique expérimentale d'un futur qui ne doit pas advenir.

Avec Barthélémy Antoine-Loeff, Frédéric Gelbseiden, Jean-Benoît Lallemant, Nøne Futbol Club
Commissariat artistique: Nicolas Rosette

Avec : Josef Albers, Martin Barré, André Cadere, Dan Flavin, Ann Veronica Janssens, Imi Knœbel, Kenneth Noland, Claude Rutault, Keith Sonnier, Frank Stella, Anne Truitt and Heimo Zobernig

Commissariat : Grégory Lang

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Jeudi 31 mars 2022 à 18h30
Avec JH Engström, Leigh Ledare et Margot Wallard.
Moderation Simon Baker

Avec Nobuyoshi Araki, Nan Goldin and René Groebli, Emmet Gowin, Larry Clark, Sally Mann, Leigh Ledare, Hervé Guibert, Alix Cléo Roubaud, JH Engström & Margot Wallard, RongRong&inri, Lin Zhipeng (aka No 223), Hideka Tonomura, Collier Schorr.

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Avec Brognon Rollin, Aleksandra Chaushova, Claude Closky, Natalie Czech, Cyprien Gaillard, Marine Hugonnier, Sven't Jolle, Olga Kisseleva, Kolkoz, Laura Lamiel, Caroline Le Méhauté, Dominique Leroy, Adrian Melis, Anne Neukamp et Katie Paterson.

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Exposition collective

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Au cours du mois de mars 2022, Saint-Martin Bookshop* inaugurera dans sa librairie à Bruxelles une exposition consacrée à On Kawara, et présentera les oeuvres majeures de l'artiste ayant fait l'objet de publications de mfc-michèle didier.

I Read, 1966–1995/2017
I Got Up, 1968–1979/2008
I Went, 1968–1979/2007
I Met, 1968–1979/2004
One Million Years, 1970–1998/1999

Durant l'exposition, auront lieu différentes sessions de la lecture du One Million Years. Depuis 1993 et selon la volonté de l'artiste, ces lectures sont assurées suivant un protocole par deux voix de tessitures opposées pour chacune des performances.

*Saint-Martin Bookshop
Rue de Flandre 114 Vlaamsesteenweg
Bruxelles 1000 Brussel, Belgique
+32 (0)487 13 65 72

Exposition du 12 mars au 1er avril 2022
Vernissage le samedi 12 mars de 18 à 21h
Finissage le 1er avril de 18h à 21h

Lecture du One Million Years de On Kawara :
Samedi 12/03 à 19h - 2 personnes
Mercredi 16/03 à 14h - 2 personnes
Mercredi 16/03 à 17h - 2 personnes
Mercredi 16/03 à 18h - 2 personnes
Samedi 19/03 à 11h - 2 personnes
Mercredi 23/03 à 17h - 2 personnes
Samedi 26/03 à 11h - 2 personnes
Mercredi 30/03 à 17h - 2 personnes
Mercredi 30/03 à 19h - 2 personnes
Vendredi 01/04 à 19h - 2 personnes

Production exceptionnelle d'un poster par mfc-michèle didier et Saint-Martin Bookshop en partenariat avec la One Million Years Foundation. Tous les benefices de la vente seront reversés au profit de la Croix Rouge pour les enfants ukrainiens.

Projection du film de Yuki Okumura, The Man Who
2019, HD vidéo, 116 minutes 15 secondes
Une série d'interviews menées par Yuki Okumura en décembre 2018 et janvier et février 2019. Ce film comprend les souvenirs, ou la description de souvenirs, de «lui», racontés par neuf personnes. Ce film sera montré avec d'autres œuvres de l'artiste comme une «exposition à l'intérieur de l'exposition».

Remerciements tout particuliers à la One Million Years Foundation établie par l'artiste On Kawara

Exposition collective
Commissaire Romain Jarry

avec Ismaïl Bahri, Céleste Boursier-Mougenot, Catherine Contour, Abdessamad El Montassir et Matthieu Guillin, Anne-Charlotte Finel et Voiski, Graham Gussin, Alexander Gutke, Ann Veronica Janssens, Marion Mallet, Robert Morris, Benny Nemer, Giuseppe Penone, Ben Russell, Ulla Von Brandenburg, Apichatpong Weerasethakul

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Présentée dans les collections permanentes

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Louise Bourgeois x Jenny Holzer

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ENTRE DEUX PORTES
64 rue de Namur - 1000 Bruxelles

Exposition visible du 18.02.22 au 02.04.22 du mardi au samedi de 11:00 à 18:00.
Avec le soutien d'Uptown Design

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Exposition personnelle
Commissaire Jane Becker Nelson

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Jeux tautologiques, blagues logiques, comique économique, poésie du code et des dictionnaires, plaisir des listes : après une période affichisto-picturale qui semble le laisser encore aujourd'hui sceptique, Claude Closky s'est affirmé dans les années 1990 comme un conceptuel ludique. Son travail, qui se manifeste dans des formes et médiums variés, qui vont du site internet au dessin en passant par l'édition, le collage, l'installation, la photographie, la poésie, la vidéo, ou encore la performance, échappe ainsi à toute entreprise de définition d'un style visuel identifiable (bien qu'il prenne souvent un parti minimal). Pour autant, son œuvre est toujours porteuse d'une critique des langages médiatiques et des environnements technologiques, critique qui accomplit l'exploit d'être simultanément subtile et acerbe (pour qui veut bien y prêter attention). On n'y trouvera donc nul grand discours, et aucune tentation de l'érudition, mais une réplication des systèmes d'information et de représentation poussées à l'extrême, qui renvoie les langages de la publicité, des réseaux sociaux, de l'entreprise, et toute cette petite propagande du quotidien, à leur absurdité radicale.

Claude Closky est né en 1963 à Paris. Vit et travaille à Paris.

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Brognon Rollin propose à la vente tous les cartels de ses expositions passées et futures sous forme de NFT. Chaque version FR et EN est unique et a la même valeur marchande que l'œuvre qu'elle décrit.

La vente de la collection NFT, I'm All Tomorrow's Broken Hearts, vient de démarrer sur OpenSea avec le soutien de mfc-michèle didier. Cliquez sur ce lien pour acquérir votre NFT.

"Nous sommes des conteurs d'histoires. Chacune de nos œuvres est un conte à lire, à contempler, à comprendre et à partager. Pour nous, chaque histoire est une prophétie de l'œuvre à venir, transformée ensuite en une notice pour le visiteur sur les murs de nos expositions. La description elle-même devient œuvre d'art murmurée à un ami pour guider ses pérégrinations visuelles et intellectuelles." Brognon Rollin

Les textes sont signés par Anthony van den Bossche et la conception graphique est assurée par Fred Thouillot. Le choix de la police des cartels est celui utilisé sur l'emballage de la version générique du Propranolol, un bêtabloquant prescrit contre l'anxiété, le syndrome du stress post-traumatique ou les chagrins d'amour.

Ce programme, lancé en 2021, donne la possibilité à des artistes et des chercheurs venus du monde entier de développer un travail de recherche et de création au cœur de Paris, en lien avec la scène artistique et professionnelle française. Il encourage la création sous toutes ses formes tout en facilitant sa diffusion auprès du plus grand nombre. Le travail des résidents porte sur les thèmes de l'exploration scientifique, technologique et aborde les grands enjeux sociaux et environnementaux de notre époque.

Une vingtaine de résidents sont sélectionnés chaque année par un comité de sélection international.

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Commissaire : Róna Kopeczky

Avec ArtLeaks, Jasmina Cibic, Hubert Czerepok, Agnes Denes, Igor Eškinja, Oxana Gourinovitch, Ferenc Gróf, Flo Kasearu, Eva Koťátková | Volodymyr Kuznetsov, Irena Lagator, Olson Lamaj, Marko Mäetamm, Alexander Manuiloff, Dóra Maurer, Raul Meel, Katja Novitskova, Dan Perjovschi, Géza Perneczky, Nada Prlja, Kaisa Puustak, Driton Selmani, Slavs and Tatars, Société Réaliste, Bojan Stojčić, Endre Tót

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Avec les oeuvres de Marina Abramovic, Saâdane Afif, Maja Bajevic et Emanuel Licha, Béatrice Balcou, Éric Baudelaire, Neal Beggs et Jean-Christophe Norman et Laurent Tixador, Patrick Bernier et Olive Martin, Davide Bertocchi, Ulla von Brandenburg, Alex Cecchetti, Elisabeth S. Clark, Compagnie Labkine, Lise Daynac & Valeria Giuga, Manon De Boer, Cyprien Gaillard, Mario García Torres, Gerard & Kelly, John Giorno, Anna Holveck, Ann Veronica Janssens, Július Koller, Micha Laury, Xavier Le Roy, Élodie Lesourd, Marie Lund, Angelica Mesiti, Ari Benjamin Meyers, Roman Ondak, Régis Perray, Matthieu Saladin, Shimabuku, Roman Signer, Cally Spooner, The Play, Untel.

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Exposition collective
Commissaire Tyler Stewart

Avec jamilah malika abu-bakare, Adam Basanta, Michèle Pearson Clarke, Marjie Crop Eared Wolf, Maskull Lasserre, Benny Nemer, and Jessica Thompson.

Visuel : Marjie Crop Eared Wolf. Niitsi'powahsin Secwepemctsín (detail), 2021-2022. Installation.

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Commissaires : Peter Weibel, Sarah Donderer and Daria Mille

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A Slower Dawn! Vanishing Points 4.0 – Contemporary reflections on antisemitism and Jewish identity after the fall of the Iron Curtain
Commissaire Tamás Don
Avec Kitti Gosztola, Ferenc Gróf, Szabolcs KissPál, Csilla Nagy, Bence György Pálinkás

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Artiste nommés : Hélène Bertin, Timothée Calame, Fabiana Ex-Souza, Eva Nielsen, Benoît Piéron, Elsa Werth + Jean-Michel Sanejouand.

Commissaire Clément Dirié

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Commissaires : Dušan Barok, Ivana Rumanová

Avec Jan Čumlivski, D'epog, Ferenc Gróf, Nadácia Hermit a Centrum pre metamédiá Plasy, Nadácia pre mediálny výskum, Lucia Repašská, Spoločnosť pre nekonvenčnú hudbu (SNEH), Matěj Sýkora, Štúdio erté, Transmusic Comp

Commissariat : Alexandre Quoi

Avec : Carel Balth, Joseph Beuys, Alighiero Boetti, Christian Boltanski, Troy Brauntuch, Marcel Broodthaers, Victor Burgin, André Cadere, Alan Charlton, Gérard Collin-Thiébaut, Hanne Darboven, Luciano Fabro, Helmut Federle, Hans-Peter Feldmann, Barry Flanagan, Gérard Garouste, John Hilliard, Jannis Kounellis, Bertrand Lavier, Lefevre Jean-Claude, Jean Le Gac, Mario Merz, Annette Messager, Jacques Monory, François Morellet, Yves Oppenheim, Giulio Paolini, Michel Parmentier, Pino Pascali, Michelangelo Pistoletto, Bernard Rancillac, Gerhard Richter, Ulrich Rückriem, Claude Rutault, Fred Sandback, Djamel Tatah, Patrick Tosani, David Tremlett, Lee Ufan, Ger van Elk, Michel Verjux, Jan Vercruysse, Andy Warhol, William Wegman, …

The Museum of Contemporary Art Tokyo is pleased to present the first large-scale museum exhibition in Japan of the acclaimed artist Christian Marclay, whose innovative practice lies at the crossroads of art and music.

Christian Marclay (b. 1955) began experimenting with sound in performances using turntables during the late 1970s in New York, and has been an important figure in the avant-garde music scene ever since. Focusing on sound as visual information and on how music is represented, objectified and commodified in modern society, he is recognized as one of the most popular and influential artists who connect contemporary art with music. Marclay works in performance, collage, installation, photography, painting and video, often repurposing a wide range of found media including LP records, CDs, comics, movies, and photographs.

Christian Marclay Translating is the first large-scale solo exhibition of the artist's work in a Japanese museum and aims to introduce his diverse and eclectic practice to audiences. Sampling his oeuvre, it includes early works, influenced by conceptual art and punk music, large-scale installations built from samples of image and sound information, and more recent works that reflect upon the anxieties permeating our contemporary world.

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Digitality skews the linearity of time when a computer-generated simulation brings a past environment back to life.

If past exhibitions, that are spatial manifestations of thought processes, are resurrected digitally, history turns into a virtual experience. Chronologies could be reversed, reconstructed, and built anew in a computer-generated space. Meanwhile ephemera become withheld in time due to their digital conservation.

Two art institutions, ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe and Centre Pompidou, Paris have committed themselves, within the framework of the project Beyond Matter. Cultural Heritage on the Verge of Virtual Reality, to examining the possibility of exhibition revival through experiential methods of digital and spatial modelling based on the case studies of Les Immatériaux (Centre Pompidou, 1985), and Iconoclash (ZKM | Karlsruhe, 2002). The chosen exhibitions are landmark shows of the past decades. Les Immatériaux and Iconoclash are both complex thought experiments deployed through space. With the aim of exploring the impact of computer-based information and the shaping of digital realities in all fields of knowledge, they experimented with innovative forms of juxtapositions between scientific, technological, and artistic practices. What's more is that they propelled the possibility of the exhibition as a medium and an interface to a sharp level of reflection and creativity.

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Personnalité singulière dans l'histoire de l'art américain, Martha Wilson est l'une des premières artistes à faire usage de son corps pour questionner les représentations sociales du féminin. Son travail pionnier mené au début des années 1970 s'inscrit dans le champ des pratiques conceptuelles avec une ironie radicale. Réunissant plus d'une quarantaine d'œuvres, le Centre Pompidou lui consacre sa première exposition monographique dans une institution française.

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L'avant-dernière version de la réalité est la première grande exposition muséale, en Belgique, du duo d'artistes constitué de David Brognon et Stéphanie Rollin. Rassemblant des œuvres existantes et de nouvelles productions spécifiquement conçues pour les espaces du BPS22, l'exposition met en perspective une démarche initiée il y a près de quinze ans. Elle permet de mesurer la singularité et la cohérence de leur démarche et de leur univers formel et conceptuel.

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Samuel Bianchini's (2007-2020) interactive installation niform lends itself to multiple reflections. In a dark room, the spectator sees the projection of a blurry image, which becomes increasingly sharper as the viewer approaches it, but only for the shape of the spectator's body. When the spectator stands half a meter away from the image, what is revealed is a fragment of a group portrait of life-sized, reposing French riot policemen in full gear.

Contemporary spectators often feel bewildered by the continuous alternation of images that besiege them. The roles here are reversed: it is the spectator's own performativity, positioning and distance that define how much of the image becomes clear. Besides, niform stems from the word uniform, with the omission of the letter u, indicating that the audience is a crucial factor for the completion of the work. Interactive and participatory viewing are essential here: no one is able to see the whole picture alone. Likewise, if the viewer approaches close enough to see clearly, they will still miss the larger picture. The human forms, even when visible, appear suspended in a space lacking any perspective. The viewer is invited to examine the perception of the representation as an intrinsically elliptical process, in which immobility consolidates a restrictive point of view. Besides, can one, at any given moment, perceive much more from the fragment of reality surrounding him? niform asks the viewer to realize that the image becomes visible only thanks to their own position and stance. And even this may not be enough, since it is not the spectator the one selecting the image or the algorithm that regulates how the image is increasingly coming into focus.

Another aspect of niform's group portrayal of men serving with French law enforcement is that it serves as a reflection on power itself: invisible at first, but becoming discernible at close distance, it is just a limit beyond which one's vision is thwarted. But can real power be easily displayed, or is this a representation that will always tend to be elusive? Meanwhile, in yet another interesting reversal, it is the citizens inspecting the images of police officers. Bianchini, an experimental artist, theorist and researcher of new media, invites us to reflect on the rapidly evolving imaging technology, not as anodyne sensationalism, but as a matter of political thought, in which one investigates and challenges, immersed in a postmodern, 21st century platonic cave of shadows. niform allows us to ponder on the degree of freedom contemporary citizens have, at a time when the digital image-world appears omnipotent, suggesting, in a staged version of sousveillance*, that the police is not beyond observation or accountability, even in our bleak era of “total security”.

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Après « The Shape of Time », sa présentation inaugurale de la collection, le Centre Pompidou × West Bund Museum Project dévoile dès l'été 2021 et jusqu'à début 2023 le second chapitre de son parcours semi-permanent intitulé « The Voice of Things ».

Réunissant des œuvres emblématiques des avant-gardes du début du 20e siècle, témoignages de la révolution des normes esthétiques et du statut même de l'œuvre d'art, jusqu'à celles de la création la plus récente interrogeant notre monde globalisé, ce nouveau parcours révèle l'importance de l'objet dans l'histoire de la modernité.

Le titre de l'exposition, « The Voice of Things », est emprunté à la traduction anglaise du recueil emblématique de poèmes en prose Le Parti pris des choses du poète et résistant français Francis Ponge (1899-1988), publié en 1942. Il y décrit la beauté de la banalité, ouvrant par là une nouvelle façon de regarder et de faire vivre des objets.

Les premières salles sont consacrées aux objets servant de motifs de déconstruction de l'espace et d'expression de la beauté moderne, jusqu'à la remise en question du sens de l'art à travers le ready-made avec Marcel Duchamp et les « objets d'affection » avec Man Ray. En proie aux doutes comme aux rêves, les objets surréalistes forment ensuite une source inépuisable de poésie visuelle, avant un retour au réalisme avec les peintures de Bernard Buffet et de Jürg Kreienbühl dans les années 1950. Deux espaces présentent respectivement la célébration de l'objet par la photographie, depuis Herbert Bayer et René Zuber jusqu'à Martin Parr et Thomas Demand, et par le design. Depuis les années 1950 les designers, de Pier Giacomo et Achille Castiglioni jusqu'à Dov Ganchrow & Ami Drach et Jean-Baptiste Fastrez, en passant par Gae Aulenti et Andrea Branzi, repoussent les limites de l'objet, interrogent sa dimension non plus seulement d'usage, mais aussi spirituelle.

La seconde partie de l'accrochage propose un aperçu de ce que deviennent les objets dans l'art à partir du basculement au sortir de la Seconde Guerre mondiale, avec l'avènement de la société de consommation. Les artistes du Pop Art, les acteurs du mouvement du Nouveau Réalisme ou du mouvement Fluxus s'attachent à donner une pleine dimension émotionnelle aux résidus d'une civilisation toute entière vouée à la consommation. Certains artistes se servent de la pratique des assemblages d'objets pour signifier une quête spirituelle et une exploration du moi. Les œuvres deviennent des supports d'un récit pour inventer des « mythologies individuelles ».

Le parcours s'achève sur une présentation d'œuvres récentes  à travers lesquelles les artistes continuent librement de questionner notre rapport aux choses dans un monde globalisé, tout en faisant référence à cette histoire de l'objet dans l'art. Ils y prolongent, d'une certaine manière, le genre inépuisable de la nature morte, qui a été et reste encore souvent un prétexte pour expérimenter des styles ou peindre l'envers du décor.

Curator Bernard Blistène

Avec Béatrice Balcou, Marion Baruch, Stanley Brouwn, Andre Cadere, Kapwani Kiwanga, Sol LeWitt, François Morellet, robert morris, Yvonne Rainer

Curator Beatrice Gross

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Avec les œuvres de : Kai Althoff, Deborah Barrett, Georg Baselitz, Joseph Beuys, Manuel Álvarez Bravo, Deborah Barrett, Cecily Brown, George Condo, William Copley, Carrol Dunham, Nicole Eisenman, General Idea, Robert Gober, Guerrilla Girls, Rachel Harrison, Jörg Immendorff, Rashid Johnson, Ray Johnson, Anselm Keifer, Martin Kippenberger, W. Imi Knoebel, Barbara Kruger, Robert Kushner, Maria Lassnig, Glenn Ligon, Robert Longo, Sol LeWitt, Paul McCarthy, Carlos Mérida, Dan Miller, Ulrike Müller, Matt Mullican, Gabriel Orozco, Raymond Pettibone, Sigmar Polke, Arnulf Rainer, Gerhard Richter, Allen Ruppersberg, Peter Saul, Thomas Schütte, Nancy Spero, Rosemarie Trockel, Germán Venegas, Danh Vo, Kara Walker, Lawrence Weiner, and Nahum B. Zenil.

Hessel Museum of Art
Bard College
Annandale-on-Hudson
NY 12504-5000

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In 1917, a work entitled Fountain, consisting of an upturned urinal signed R. Mutt, was submitted to the first exhibition of the Society of Independent Artists of New York. Under this pseudonym, Marcel Duchamp tested the limits of the exhibition's admission policy, supposedly open to any proposal and inspired by the motto of the Salon des Indépendants in Paris: ‘no jury, no prizes'. By selecting an ordinary object, a found object, Duchamp sought to destroy the notion of the singularity of the object of art. Fountain was rejected, just as Nu descendant un escalier (N°2) [Nude descending a staircase (No. 2)] had been rejected by the Salon des Indépendants in Paris in 1912. Duchamp then decided to orchestrate the Fountain's presentation through a publication in The Blind Man, a magazine of which he was a co-founder. The original work disappeared and was never found again. Therefore, it is from a reproduction (a photograph by Alfred Stieglitz) accompanied by an anonymous commentary (‘The Richard Mutt Case') that Fountain enters the history of art. Since then, Duchamp's Fountain has generated countless comments and has become one of the most influential works of art of the twentieth century.

Saâdane Afif has turned the printed dissemination of Fountain into a monumental project. The Fountain Archives consists of three elements: the first, the ‘active' part of the project, consists of the pages of publications, books, catalogues and magazines that reproduce a photograph of this iconic piece. The pages, taken from the collection of publications that the artist has been collecting since 2008, are torn out, framed and inventoried, creating a new readymade from one of the earliest and certainly the most iconic readymades in the history of art.

The second, the ‘passive' part of the project, which Afif also calls the ‘mould', is the library with the books from which the pages were taken. The shelves create an archive around Duchamp's readymade, from which the common initiator has been removed: an archive without its object. This presentation of the library – complete for the first time in the installation at the Fundació Antoni Tàpies – by depriving the publications of their usual function, also gives it a sculptural character.

The third element, called Fountain Archives (Augmented), integrates the pages of publications with the comments generated over the years by Saâdane Afif's work, illustrated with a reproduction of Fountain; the archive within the archive, in a kind of mise en abyme. These publications point to an evolution in the development and perception of The Fountain Archives as a work of art.

Appropriating inventory methodologies and playing with traditional museographic codes, Afif questions the production system, the status of the work of art, its reproducibility and the infinite field of its interpretations, as well as his formidable ability to produce narratives.

True to his way of doing things since 2004, Saâdane Afif has also commissioned several cultural producers to write lyrics based on Fountain for this project. A selection of these songs is part of the exhibition.

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"Do women have to be naked to get into the Met. Museum?"

The Guerrilla Girls emerged in New York in 1985 as an anonymous artists' collective dedicated to feminist activism. Known for using gorilla masks to cover their faces, the group's members take on the names of deceased women artists like Frida Kahlo, Eva Hesse, Paula Modersohn-Becker, Käthe Kollwitz, Gertrude Stein and Georgia O'Keeffe, thereby concealing their true identities from the world and promoting the achievements of those women.

In its more than 35 years of existence, the collective has produced countless posters, books, stickers, drawing projects, graphic publications and magazines about sexism and discrimination against women in the visual arts, film and culture in general. Portfolio Compleat includes this entire repertoire, where they appropriate the visual language of advertising and marketing to communicate their messages in a clear, direct way.

Curator: Yolanda Torrubia.

Paris Gallery Weekend se déroule dans environ 125 galeries parisiennes les 3, 4, 5, 6 juin 2021.
Gratuit et ouvert à tous de 12h à 18h. L'accès aux galeries se fera dans le respect des consignes sanitaires.

Avec Giuseppe Arcimboldo, Ulisse Aldrovandi, Francis Bacon, Enrico Baj, Hans Bellmer, Lynda Benglis, Cezary Bodzianowski, Alighiero Boetti, Denis Boutemie, René Boyvin, Giovanni Battista Bracelli, Kerstin Brätsch, Victor Brauner, Glenn Brown, Cadavres exquis [Yves Tanguy, André Masson] [Yves Tanguy, Marcel Duhamel, Max Morise, André Breton] [Koo Jeong A, Ian Cheng, Philippe Parreno] [Marlene Dumas, Virgil Abloh, Rem Koolhaas] [Alex Israel, Norman M. Klein, Henry Taylor] [Paul McCarthy, Luchita Hurtado, Patrick Staff] [Tobias Rehberger, Rirkrit Tiravanija, Mathias Augustyniak] [Peter Saville, Liam Gillick, Philippe Parreno] [Yu Hong, Liu Xiaodong, Liu Wa], Miriam Cahn, Fernando et Humberto Campana, Maurizio Cattelan, Jake & Dinos Chapman, Giorgio de Chirico, Gregorio Comanini, Gustave Courbet, Roberto Cuoghi, David Czupryn, Daft Punk, Salvador Dalí, Otto Dix, Enrico Donati, Marcel Duchamp, Albrecht Durer, Carl August Ehrensvärd, James Ensor, Max Ernst, Hans-Peter Feldmann, Lavinia Fontana, Llyn Foulkes, Daniel Fröschl, Giambologna, Gilbert & George, Felix Gonzàlez-Torres, Grandville, Francesco Guardi, Cornelis Norbertus Gysbrechts, Heide Hatry, Robert Heinecken, Hannah Höch, Pierre Huyghe, Rashid Johnson, Christoph Jamnitzer, Ewa Juszkiewicz, Tetsumi Kudo, Claude Lalanne, Nicolas II de Larmessin, Zoe Leonard, Roy Lichtenstein, Giovan Paolo Lomazzo, Ghérasim Luca, Maître du Bacchus, Maître lombard du Custode dell’orto, Maître strasbourgeois des Quatre Saisons, Maître de la Tête de satyre (Paolo Giovio), René Magritte, Man Ray, Alberto Martini, Matthäus Merian, Mario Merz, Marisa Merz, Annette Messager, Tomio Miki, Patrick Neu, M/M (Paris), Tim Noble & Sue Webster, Luigi Ontani, Meret Oppenheim, Bernard Palissy, Peintre d’Herculanum, Peintre du Plafond au bestiaire, Peintre de Pompéi, Francis Picabia, Pablo Picasso, Louis Poyet, Markus Raetz, André Raffray, Antonio Rasio, Auguste Rodin, Medardo Rosso, Ed Ruscha, Niki de Saint Phalle, Chéri Samba, Alberto Savinio, Iris Schieferstein, Arnold Schönberg, Cindy Sherman, Penny Slinger, Il Sodoma, Daniel Spoerri, Cally Spooner, Jacopo Strada, Jan Švankmajer, Alina Szapocznikow, Wolfgang Tillmans, Jean Tinguely, Toyen, Rosemarie Trockel, Francesco Zucchi.

C'est en 1977 que le critique Douglas Crimp donne son nom à la « Picture Generation », dont font partie Cindy Sherman, Louise Lawler, Richard Prince et Sherrie Levine. Dans leurs recherches, l'image photographique n'est plus seulement un résultat mais l'étape d'un processus critique faisant intervenir des gestes tels que l'appropriation, la mise en scène, le recadrage ou la citation. Chez Martha Wilson, pionnière de l'art féministe aux Etats-Unis, et en France chez Michel Journiac, la photographie devient une arme dans la lutte contre les stéréotypes qu'elle a, dans d'autres contextes, contribué à établir. Sous forme d'installations photographiques et non plus d'images autonomes, ces œuvres témoignent d'un travail expérimental, d'une investigation de notre lecture des images.  Michel Journiac, Louise Lawler, Richard Prince, Sherrie Levine, Cindy Sherman et Martha Wilson rompent avec l'usage de la photographie comme simple enregistrement du réel. L'image photographique n'a plus valeur de preuve. Ainsi libérée, elle « fictionne », brouille les notions d'identité, s'ouvre de nouveaux questionnements sur l'art, le genre, l'identité.

Avec Jean-Michel Basquiat, Jean-Charles Blais, Jonathan Borofsky, Robert Combas, Federico Guzmán, Louis Jammes, On Kawara, Anselm Kiefer, Joseph Kosuth, Louise Lawler, Loïc Le Groumellec, Sol LeWitt, Kay Rosen

Commissaires : Sylvie Boulanger, Keren Detton, Lucy Hofbauer 

Consacrée à l'artiste, architecte et urbaniste Yona Friedman (1923-2020), un an après sa disparition, cette exposition s'appuie sur un fonds exceptionnel d'œuvres conservées par le CNEAI = au Frac Grand Large — Hauts-de-France à Dunkerque. Ce fonds – constitué de maquettes, dessins, films et éditions – sera déployé, reconfiguré, augmenté et approprié par différents lieux singuliers de la région des Hauts-de-France sur plus de 5 000 m2. L'exposition s'étendra à leurs voisinages, en infiltrant notamment l'espace public et en associant des acteurs du monde associatif, culturel, éducatif et social. Ces actualisations feront de « L'Exposition Mobile » un creuset d'histoires vivantes où se joueront différentes formes d'apprentissage, d'essais et d'improvisations sur le vivre-ensemble. Ainsi, il s'agira autant de cerner le penseur qu'était Yona Friedman que de créer une proximité avec les habitants et leur offrir la possibilité de jouer avec ses idées en trouvant leurs propres moyens de compréhension et d'action, ainsi qu'une nouvelle forme d'échange ; tout ceci dans le but de parvenir au droit fondamental qu'il souhaitait voir ajouter à la liste des droits de l'homme : le droit de comprendre.

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Commissaire : Jean-Paul Blanchet

Avec les oeuvres de : Pilar Albarracìn, Aranthell, Damien Berthier, Liu Bolin, Louise Bossut, Nicolas Boulard, Mireille Blanc, Thomas Broomé, Patrice Carré, Jeanne Chopy & Robin Tornambe, Claude Closky, Clément Collet-Billon, Claire Dantzer, Denis Darzacq, Arnaud Dezoteux, Sandra Foltz, Ana González Sola, Elsa Guillaume, Joseph Grigely, Marie Hamel, Hesse Romier, Clémence Joly, Jan Kopp, Enora Lalet, Joachim Lapôtre, Marc Lathuillière, Thomas Lévy-Lasne , Pablo Lobato, Charlie Malgat, Aurélie Mathigot, Chloé Mazlo & Bérengère Henin, Mathieu Mercier, Yao Metsoko, Lucy + Jorge Orta, Rostand Pokam, Pôle-Fromage, Babeth Rambault, Olivier Richon, Gregg Segal Photography, Fabien Souche, Stéphane Soulié, Jeanne Susplugas.

Abbaye St André
Centre d'art contemporain
Place du Bûcher
19250 Meymac
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Visuel : Nicolas Boulard, Golden Cheese Camembert, 2017

Avec les œuvres de Lida Abdul, Marwa Arsanios, Roy Dib, Mounir Fatmi, E. García, Jorge García, Juan Genovés, Leo Gestel, Patricia Gómez & Mª Jesús González, Petrit Halilaj, Peter Halley, Mestre de la conquesta de Mallorca, Muntadas, M. Muntaner, Daniela Ortiz, Tommaso Realfonso, José Vila Coll, Wolf Vostell, Kemang Wa Lehulere.

Fundació Es Baluard Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma
Plaça de la Porta de Santa Catalina, 10 - 07012 Palma

"The projects by Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) include multimedia installations, photographs, publications, performances and urban interventions, and they represent one of the most important contributions to international conceptual art practices. The artist is also a touchstone in the use of video and the new technologies in Spanish art from the early 1970s. His oeuvre addresses topics related to politics, social issues and communication, always with one foot in anthropology, sociology and cultural history.

In The Empty City, Bilbao and its current urban plan, as well as its historical context, are the point of departure for a broader inquiry into public space and architecture. Curated by Guadalupe Echevarria, the outcome is a project comprised of several components, as is common in Muntadas' works."

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Ludovic Chemarin© et Nicolas Giraud nommé pour le Prix Bob Calle du livre d'artiste 2020 avec Indefinite Expansion et Kentia.

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Michèle Didier, le livre comme œuvre d'art

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Exposition personnelle - Pierre Beloüin Deep In The Wood
Prolongation jusqu'au 28 novembre 2021

Invités : Ludovic Chemarin©, Cocktail Designers, Nurse With Wound, Charles Vourrial, Chicaloyoh, Hifiklub, Florie Laroche, Lune Apache

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Pour la réouverture du site du Frac à Carquefou, après plus d'une année de fermeture pour mener d'importants chantiers de collection, le Frac des Pays de la Loire accueille un projet d'exposition de l'artiste Claude Closky, intitulé X.

« À l'invitation de Laurence Gateau de faire une exposition à partir de la collection du Frac des Pays de la Loire, j'ai conçu un projet centré autour des rythmes temporels, avec les ?uvres de la collection, auxquelles j'ai ajouté des pièces empruntées à des artistes dont certains sont représentés dans le Frac et d'autres pas. Toutes ont en commun de poser un regard sur le déroulement du quotidien, sur l'incidence du temps dans le travail, ou d'adopter une temporalité spécifique dans leurs modalités d'exposition. Les dispositifs de visibilité mis en place tout le long de l'exposition de novembre à juin donneront au public la possibilité de partager deux formes de temporalité à l'?uvre : la représentation du passage du temps et le temps dont le geste artistique a besoin pour s'accomplir. L'accrochage lui-même sera soumis à la durée de l'exposition, donnant à chaque ?uvre son rythme. Les éléments successifs d'une série ou les parties d'une ?uvre seront toujours présentés individuellement : un par jour, un par semaine, un par mois, etc. Cette manière d'exposer à tour de rôle chaque élément mettra l'accent sur la durée concrète du temps de travail. Et dans cet étalement, chaque partie vaudra pour le tout. Ce dispositif se destine à éclairer le déploiement des ?uvres dans le temps plus que la place qu'elles occupent dans l'espace, à diriger l'attention sur le moment vécu autant que sur son apparition. Il donne à l'accrochage une dimension performative. Par ailleurs l'exposition présentera à égalité des travaux originaux, des éditions, et des reproductions d'?uvres. Cette égalité est une manière de placer le temps avant l'espace, et également de mettre la matérialité, et la rareté d'un objet au second plan.Le titre «X» («multiplication» et «choix») donne sa forme au display d'exposition dans l'espace. » Claude Closky

Avec Eduardo Arroyo, Marion Baruch, Stéphane Calais, René Caussanel, Nicolas Chardon, Nina Childress, Cocktail Designers, Isabelle Cornaro, Robert Crumb, Sophie Crumb, Dado, Raymond Depardon, Patrick Des Gachons, Daniel Dezeuze, Hervé Di Rosa, Erik Dietman, Dubois & Sanaoui, Mimosa Echard, Gudmundur Gudmundsson Erró, Roland Flexner, Joan Fontcuberta Villa, Helgi Fridjonsson, Gérard Fromanger, Carsten Höller, Michael Just, Frédéric Khodja, Renée Levi, Didier Marcel, Allan McCollum, Jean Messagier, Piet Moget, Vera Molnar, Nicolas Momein, François Morellet, Olivier Mosset, Matt Mullican, Aurelie Nemours, Gérald Panighi, Maud Peauït, Bruno Peinado, Stéphane Pencréac’h, Guillaume Pinard, Alain Séchas, Lucy Skaer, Matias Spescha, Lucie Stahl, Peter Stämpfli, Jessica Stockholder, Jeanne Susplugas, Claire Tenu, Roland Topor, Niels Trannois, Sarah Tritz, Tatiana Trouvé, James Turrell, Emmanuel Van Der Meulen, Claude Viallat, Jessica Warboys, Fischli Peter & Weiss David, Tursic Ida & Mille Wilfried, Jacob El Hanani

Commissariat Jill Gasparina

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Mel Bochner a été invité pour créer la 7ème Boîte Collector "La Vache qui rit", après Hans-Peter Feldmann, Thomas Bayrle, Jonathan Monk, Wim Delvoye, Karin Sander et Daniel Buren. 

LabBel  est un Laboratoire d'idées et d'innovation qui a pour objet de soutenir et de contribuer au développement de la création artistique.

En écho aux valeurs défendues par le Groupe Bel et sa société Unibel sous l'initiative desquels il a été crée au printemps 2010, il défend l'art contemporain. Les activités du Laboratoire se partagent entre la constitution d'une collection d'art contemporain et la réalisation d'expositions et d'événements artistiques qui prennent place aussi bien en France qu'à l'étranger.

Chaque année au mois de juillet, une sélection et un accrochage d'œuvres est réalisé en fonction de différents mots-clefs. Tandis que certaines œuvres sont simplement déplacées, d'autres retournent en réserve. Dans le cadre de ce nouvel accrochage, Erika Hoffmann construit de nouvelles relations avec l'espace et de nouveaux parallèles entre les œuvres de la collection.

Sammlung Hoffmann
Sophienstraße 21
2. Hof, Aufgang C
10178 Berlin, Germany
http://sammlung-hoffmann.de